EXPOSITION « PERSONAL STRUCTURES » À VENISE, 2nd partie

Posté par Claudio Boaretto le 15 juin 2019

Nous revoici devant la « Marinaressa »…

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Pour visiter cette fois-ci les œuvres exposées dans le jardin de gauche…

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Trois artistes seulement exposent dans cette partie…

La première ne nous est pas inconnue puisque c’est l’artiste États-Unienne, Carole A. Feuerman dont nous avons pu déjà admirer les œuvres en 2017…
C’est la 5ème fois qu’elle expose pendant la Biennale de Venise…

« Monumental Quan »…
Huile sur sculpture en résine…
Édition originale en 3 exemplaires…
170x153x110cm…

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En effet nous avions vu un autre exemplaire de cette sculpture en 2017, la sphère était argentée et le bonnet rose…

Détail…

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« Carole Feuerman a trouvé sa place dans l’histoire de l’art dans les années 70, en initiant le mouvement de la sculpture hyperréaliste, notamment avec des portraits au réalisme déconcertant …
Avec le temps son travail est devenu de plus en plus impressionnant comme avec ces sculptures fabriquées en bronze et peintes à la main.
La présence de détails, dans le relief et la peinture confèrent à ses créations une présence humaine qui donne vraiment l’impression que ce sont de vraies personnes. » …

« Kendall Island »
Sculpture en bronze patiné…
Édition originale en 6 exemplaires…
97x54x178cm…

Cet exemplaire est en tout point semblable à celui que nous avions vu il y a 2 ans, m’est avis que c’est le même…

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Détail…

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« Beyond the Golden Mean »
Sculpture en bronze…
Édition originale en 3 exemplaires…
380x136x96cm…

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Détail…

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« The Thinker »
Sculpture en bronze patiné, avec feuille d’or…
Édition originale en 8 exemplaires…
180x80x80cm…

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Détail…

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« Strenght »…
Sculpture en bronze patiné, avec feuille d’or…
Édition originale en 3 exemplaires…
360x120x120cm…

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Détail…

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La deuxième artiste est une française, Laurence Jenkell, connue pour ses bonbons géants…

« Artiste française contemporaine autodidacte (née en 1965 à Bourges), peintre, sculpteur, plasticienne, Laurence Jenkell vit et travaille à Vallauris, dans les Alpes-Maritimes. Elle crée des sculptures depuis les années 1990 et travaille d’abord le plexiglas avant de s’intéresser à d’autres matériaux. Majoritairement connue pour ses sculptures Bonbon, notamment suite à l’exposition « Candy Nations », créée pour le sommet du G20 à Cannes en 2011…
Laurence Jenkell a depuis élargi sa réflexion sur l’idée de torsion et de twist avec les séries ADN et Wrapping Twist. Elle continue à travailler le plexiglas mais crée aussi avec d’autres matières, notamment l’aluminium, le marbre et le bronze.
Ses œuvres ont été montrées dans plus de 25 pays et sont exposées dans des collections publiques et privées du monde entier. »

« Wrapping bonbon 5 mètres »…
Sculpture en polyester…
Édition originale en 8 exemplaires…
100x100x500cm…

De quoi faire monter le diabète en flèche…

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« Compositions bonbons black and white »…
Édition originale en 1 exemplaire…
205x279x320cm…

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« Jelly Wrap »…
Sculpture en aluminium…
Édition originale en 8 exemplaires…
80x200x300cm…
On retrouve le « Wrapping twist » (torsion d’emballage) dans l’éléphant…

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Une p’tite sucrerie pour la faim ?…
« Wrapping bonbon 2 mètres »…
Sculpture en polyester…
Édition originale en 8 exemplaires…

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Nous arrivons au dernier des trois artistes exposés, Idan Zareski, né à Haïfa en 1968, en Israël, il possède également la nationalité française…
Ses œuvres ont déjà été exposées dans de nombreux pays comme la France, Monaco, la Suisse, l’Italie, le Costa Rica, la Colombie ou encore les États Unis.

« Idan Zareski n’a jamais fait d’école d’art et encore moins de cours d’anatomie. Son talent d’artiste est inné…
L’artiste n’a en effet jamais planifié, organisé ou dessiné ses œuvres. Ce sont uniquement ses émotions qui le guident dans son travail. La plupart de ses œuvres sont d’ailleurs réalisées en moins d’une heure. Lorsqu’il travaille, il dit se sentir en parfaite communion avec une force plus forte que lui, comme s’il avait été forcé de mettre ce don à profit.
Il sculpte ses œuvres à l’aide d’argile, d’eau et de feu pour ensuite les transformer en bronze. Il reste encore étonné par la façon dont les émotions peuvent être transmises sans un mot grâce à l’art. »
De ces trois artistes exposés, c’est sans conteste mon préféré, il m’a surpris et amusé, j’ai adoré…

« Collfoot XL »
Sculpture en résine…
Édition originale en 8 exemplaires…
82x220x115cm

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« Une famille Bigfoot est née: Babyfoot, Bigfoot, Ladyfoot, Grandpafoot, Grandmafoot, Longfoot, Coolfoot, Le Siffleur et La Nena font partie des membres de l’équipe. Chacun possède sa propre caractéristique tout en conservant un symbolisme familier commun: ces grands pieds qui représentent nos racines et notre attachement à la même planète, la Terre. Selon l’artiste «peu importe la race ou la couleur de la peau, l’endroit où nous vivons ou qui nous sommes, nous sommes tous dépendants de notre planète paradisiaque, notre maison».
Idan Zareski veut exprimer cette idée d’unité parmi la race humaine à travers son travail. L’artiste détourne et transforme l’anatomie humaine dans ses sculptures: amplification des parties du corps, attitude relaxante, dramatisation, pop et couleurs généreuses allant du violet métallique au vert vif. Ces éléments contribuent à surprendre le public tout en véhiculant un message paisible »…

« Babyfoot XL »
Sculpture en résine…
Édition originale en 8 exemplaires…
223x268x200cm…

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« Nena XL »…
Sculpture en résine…
Édition originale en 8 exemplaires…
450x300x300cm…

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« Le Siffleur medium »…
Sculpture en bronze…
Édition originale en 8 exemplaires…
220x174x80cm…

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Et enfin la dernière œuvre, ma préférée…

« Bigfoot XL »…
Sculpture en résine…
Édition originale en 8 exemplaires…
180x470x256cm…

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Presque 5 mètres de long…
Et le gros orteil dressé du pied droit est vraiment trop drôle…

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Je garderai un excellent souvenir de la famille « Bigfoot »…
J’espère que cette expo vous aura plus autant qu’à nous…

Claudio Boaretto…

Publié dans 03 Venise : musées & expos & monuments & Architecture | 12 Commentaires »

INTERVIEW DU COYOTE

Posté par Claudio Boaretto le 14 juin 2019

Suite à des contraintes techniques, mise à jour de l’article  « VIDEOS DU COYOTE EN CONCERT », article publié le 28 avril 2011 sur ce blog…

Pour ceux qui ont un quart d’heure à perdre c’est le temps exact que dure cette interview réalisée suite du Festival Musiques & Terrasses où je m’étais produit en concert au mois de juillet 2004….

Cliquez sur l’image pour voir la vidéo

Image de prévisualisation YouTube

Publié dans 06 Chansons du coyote | Pas de Commentaire »

EXPOSITION « PERSONAL STRUCTURES » À VENISE

Posté par Claudio Boaretto le 12 juin 2019

Dans le cadre de la Biennale d’Art Contemporain, « L’European Cultural Center » organise l’exposition « Personal Structures » dans différents lieux à Venise…

Curieux comme je suis, j’ai cherché à savoir ce qu’était exactement cet « European Cultural Center »…
Voilà ce que j’ai trouvé :

« Le Centre Culturel Européen (CEC) est un lieu de réflexion, de recherche et de création, de rencontres interdisciplinaires, de ressources et d’expérimentation. En tant que lieu en perpétuel mouvement, outre présenter des projets finalisés, le CEC va plus loin et présente des projets qui interagissent fortement entre les différentes pratiques créatives, la ville, les participants et les visiteurs du monde entier. »

« RÉSEAU ET PARTENAIRES
Le CEC est géré par la Fondation du Centre Culturel Européen et collabore avec plusieurs conservateurs européens: réseaux européens, universités, fondations, conservateurs, festivals, initiatives privées et institutions scientifiques et culturelles
 »

Voilà pour la petite histoire, revenons à l’exposition et sa présentation :

« L’exposition présente une large sélection d’œuvres d’artistes, de photographes, de sculpteurs et de projets d’institutions académiques de renommée internationale, illustrant les différentes réflexions subjectives sur les sujets du « temps, de l’espace et de l’existence» et sur le concept d’identité. »

Plusieurs lieux abritent ces expositions à Venise et en particulier, pour ce qui nous intéresse, aux jardins de la « Marinaressa » dans le « sestiere » de « Castello »…
Les fidèles visiteurs de ce site connaissent bien maintenant la « Marinaressa » sur la rive des Sept Martyrs…

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Elle est entourée de deux jardins, à gauche et à droite…
L’exposition occupe ces deux jardins…

Aujourd’hui nous visitons le jardin de droite, le jardin de gauche sera pour un prochain article…

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Entrons dans le vif du sujet…

Une sculpture intitulée « Talktime » de Kumari Nahappan, une singapourienne qui nous présente une « conversation » entre 2 piments géants en bronze…

À défaut de piquer la bouche, ça pique les yeux…
Ça flashe et j’aime bien…

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« Pepper, la montée et la chute de Venise » de Barbo Raen Thomassen, artiste norvégienne…
Sculpture en granit (perle émeraude et granit du fjord d’IDDE)…

« PEPPER était l’épice qui a fait de Venise une ville puissante dans le 14ème siècle – et cela a provoqué la chute de la ville en 1497, lorsque Vasco de Gama a découvert la route maritime vers l’Inde, et le Portugal a repris le commerce. À son apogée, Venise a importé plus de 400 tonnes de poivre par an. Pepper était l’épice la plus recherchée d’Europe, un symbole de statut dans la cuisine, pour ceux qui pouvaient se le permettre
Sous une loupe, le poivre révèle des dépressions intéressantes, des motifs structurels et tactiles ».

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« Otto » de l’artiste allemande Manuela Mollwitz…
Un teckel, même en acier, je ne pouvais pas le rater…

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« We don’t really need this », en français « On n’a pas vraiment besoin de ça », œuvre provocatrice de l’artiste australien autochtone Richard Bell, représentant le pavillon australien entouré de chaines… Ce serait une contestation de l’esprit colonisateur…

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« L’étranger » de Jean-Marc Hunt, plasticien guadeloupéen…
« C’est un pied de nez à l’histoire coloniale qui ne nous considérait pas comme un peuple, des hommes » commente Jean-Marc Hunt…

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« Dialogue Intercontinental » de Carioca Mazeredo, artiste brésilien…

« La plus récente série d’œuvres du sculpteur Carioca Mazeredo est intitulée Diálogo et a été lancée en 2005, l’année où l’artiste a fermé l’un des cycles créatifs de sa trajectoire et a commencé un autre, sans précédent, qui est né de ses expériences personnelles et des possibilités constructives dans le domaine de la sculpture. La nouvelle série est une articulation de modules égaux dans l’espace. Le module est un signe visuel qui représente schématiquement une bouche. D’où l’idée de conversation, de dialogue, d’interaction entre l’œuvre et son environnement immédiat, de communication entre l’œuvre et le public, de flux entre l’artiste et le monde. Dans le même temps, l’artiste assume l’œuvre d’art comme un travail de construction: manuel, formel, sémiotique et conceptuel. »
Heureusement que j’ai trouvé cette explication sur le Web car au premier « rabord » l’œuvre était pour moi absconse…

« Il y a dans le travail de Mazeredo, outre une belle générosité et une énergie vitale, une inclination indéniable au bonheur, baignée de lumière et de ferveur. »
Heu, ça me semble un poil exagéré, lol…

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« Moscream » de Olga Lomaka, artiste britannique…

J’ai voulu en savoir plus et j’ai trouvé sur le Web ce commentaire de l’artiste :

« La sculpture intitulée «MOSCREAM» a été créée sous la forme de la glace la plus populaire de Russie. Dans mon travail, j’ai combiné des images d’un dôme représentant un symbole de l’architecture traditionnelle russe avec un cornet de crème glacée emblématique. Ce lien visuel entre la forme du dôme de la cathédrale Saint-Basile, l’édifice le plus reconnaissable de Moscou, et la principale délicatesse de l’été à travers le prisme du style pop’art englobe les vraies valeurs de la société russe, la culture spirituelle à préserver et protéger, malgré les tendances de l’ère de la consommation. J’essayais de souligner que même dans les objets les plus quotidiens et les plus ordinaires, tout le monde voit en premier lieu ce qu’il veut voir. »

« La sculpture a été commandée par le Musée de Moscou spécialement pour la Coupe du Monde de la FIFA, Russie 2018, afin de montrer l’esprit de la ville. Elle a été exposée dans la cour du musée pendant la Coupe du Monde. »

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Il est vrai qu’un des dômes de la cathédrale Sainte Basile a cette forme et cette couleur comme en témoigne cette foto récupérée sur le Web…

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« Colorful flowering TREE » de George Tobolowsky, artiste étatsunien…
Objets trouvés en acier recyclé et acier inoxydable, peints…

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Détail…

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Du même auteur : « Moutain springs sculpture studio, Texas colorful sustainable flower series »…

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Détails…

« George Tobolowsky crée des sculptures en acier et en acier inoxydable en soudant ensemble des «objets trouvés», des pièces de machine jetées au rebut, des pièces industrielles et de la ferraille ». 

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« Il laisse les formes originales des pièces d’acier mises au rebut déterminer la forme de chaque sculpture en équilibrant ses compositions avec chaque «objet trouvé» ou morceau de ferraille. »

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Photos de peintures par Tristan Vyskoc, artiste français…

Aiguille du Midi,
Mont-Blanc vue du lac de Combal,
Aiguille de Triolet,
Mer de Glace…

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« Sophia – the poesy of beauty » de Mercedes & Franziska Welte – NONOS Gallery, artistes autrichiennes…
Toutes ces œuvres sont difficiles à « fotografier » en extérieur, de nombreux éléments comme la verdure, les arbres, les bâtiments, viennent perturber la lecture du sujet… De plus comme je suis en ouverture maxi à f/2.8 avec une focale de 24mm, je ne peux pas plus flouter mes arrière-plans…

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Détail…

« Les sculptures incarnent une féminité surnaturelle et naturelle avec une expression forte de la liberté. »
Matières utilisées ,métal, carbone, exposy-résine, pigments…

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« The Sphere 3D spectrum » de Clifton Mahangoe, artiste néerlandais…
Poudre de diamant, fibre de verre, résine, pied métal, Ledlight…

L’œuvre m’a laissé perplexe, j’ai donc cherché une explication sur le Web :

« Le travail de Clifton Mahangoe consiste en des installations dans lesquelles il accorde une grande attention au calme. L’artiste a un intérêt profond pour la spiritualité, les énergies et l’effet méditatif des phénomènes naturels. 

Dans The Sphere 3D Spectrum,  Clifton Mahangoe a magistralement appliqué la technologie pour créer une expérience méditative pour le public. La réponse du spectateur fait également partie intégrante du travail. Clifton Mahangoe souhaite attirer l’attention des gens, les rassembler, contribuer à leur prise de conscience de la vie sur cette planète et leur permettre de ressentir l’autorité sur leur environnement. »
Mouais, pas convaincu mézigue…

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Je préfère le travail des artistes autrichiennes de la galerie Nonos…
Cette œuvre s’intitule « Ensemble of Joy »…

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J’ai tenté de la shooter sur un autre angle afin que la lecture soit moins perturbée…

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Détail…

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« Metamorphosis » de l’artiste iranien Masoud Akhavanjam…
Acier inoxydable et bronze…

« La métamorphose (207 cm x 80 cm) fournit un commentaire sur la société, suggérant cette fois que l’humanité doit travailler ensemble pour atteindre le plus grand bien. Trois figures peuvent être déchiffrées dans la sculpture: un taureau, un éléphant et un cerf. Cette combinaison est inspirée par les figures mythiques persanes de l’empire achéménide d’Iran datant d’environ 500 ans av JC. En combinant des bêtes puissantes avec des proies plus petites, l’artiste raconte comment une coexistence harmonique peut être réalisée si tout le monde pratique la tolérance, quelles que soient les différences. »

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Détail…

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Du même artiste « Dilemma of man »…

« Le dilemme de l’homme (400 cm x 246 cm) est un portrait de la lutte entre le bien et le mal. Une figure humaine est représentée avec une paire d’ailes. Une des ailes est une magnifique structure à plumes – l’aile de l’ange, tandis que l’autre prend l’aspect d’une chauve-souris – celle du diable. Le travail évoque la métaphore du diable sur l’épaule et de l’ange sur l’autre, et le conflit de choix quotidiens entre le bien et le mal. Pour Akhavanjam, ce sont les membres influents de la société et ceux dont les décisions ont un impact considérable sur l’humanité. Le personnage est confronté à ce dilemme: choisir ce qui est facile ou faux, ou ce qui est difficile, désintéressé et bon. » 

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Détail…

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« Douceur » de Maritta Winter, artiste allemande/Suisse…
Aluminium laqué…

L’artiste explique :

« Dans mon travail artistique, je me concentre sur la ligne et la forme – leur charisme positif/impact sur l’environnement est important pour moi. Des formes aux courbes dynamiques, mais aussi des lignes puissantes devraient toucher le spectateur, le détourner du quotidien et l’inviter au dialogue.

Je parle d’émotions matérialisées dans mes œuvres alors que j’essaie de tirer de nouvelles émotions présentes. Ce que je suis et ce que je ressens prend forme dans la sculpture. Dans la nature, l’architecture et la musique, je trouve des sources d’inspiration pour le pouvoir, l’élégance et l’harmonie, que j’interprète dans mes œuvres. La dynamique du mouvement expérimenté dans la danse elle-même influence mon travail et donne aux œuvres une certaine légèreté et élégance »
C.Q.F.D. …

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« Hey you » de Anton Kerscher, artiste allemande…
Carrés en acier soudés et traités au plasma…

« Dans cent ans, tout sera fini! – Dans cent ans, il n’y aura plus de vie humaine sur terre. – Pourquoi?? » La sculpture en métal Hey You, d’Anton Kerscher, pointe du doigt chacun, parce que chacun de nous est responsable du réchauffement climatique, qui change continuellement la planète et la rendra inhabitable pour l’humanité. La figure, qui semble déjà se dissoudre petit à petit, se dresse sur un hémisphère déformé qui continue de se briser sous le poids du pied – notre terre. Des questions autocritiques se posent: combien de fois je consomme des ressources naturelles et que puis-je faire pour protéger le climat de la Terre? »

Cette explication m’agrée plus que la précédente…

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Détail…

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« Kalterer See » de Georg Loewit, artiste autrichien…
Aluminium brossé…

« Dans les Giardini Marinaressa se trouve la grande silhouette en aluminium « Kalterer See », une femme plantureuse avec un pneu de natation volumineux. La dame se concentre presque de manière exemplaire sur l’international transculturel du tourisme de masse. Mais cela constitue également un point d’exclamation pour le joyau en voie de disparition de la culture mondiale : Venise.

S’il met la figurine sur un piédestal, alors que le champion olympique s’est élevé au piédestal il y a deux mille ans, Loewit ne sert plus de propagande ni de culte. Une telle intronisation ironique aboutit plutôt à une critique sociale subtile. »

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« Politics of dialogue: the Merry-Go-Round » de Nadim Karam, artiste Libanais…
Installation d’art cinétique, Mixed Media…

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Le sujet étant encore perturbé par l’environnement je vais le shooter avec la lagune en arrière-plan…

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C’est une sorte de manège sur une musique de fête foraine… Les différents éléments tournent en rond tout en montant et descendant…
Très sympa à regarder…

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D’autant plus quand on connait la symbolique de l’installation…

« L’œuvre est un jeu paradoxal sur un carrousel, une scène théâtrale contemporaine jouant sur la répétition. Au diapason de la musique fête foraine, les figures plaquées d’or, tournant sur une plate-forme surélevée, semblent négocier leurs positions démocratiquement en s’engageant dans le dialogue. Tournant en rond, le dialogue piégé devient inefficace.
Avec l’absurdité ludique, ce travail aborde les mécanismes de puissance d’une communication dans une ère d’hyper connectivité »

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Mise à part 2 ou 3 œuvres qui m’ont laissé perplexe, j’ai, dans l’ensemble, bien aimé cette exposition…

Second article demain avec les œuvres, à mon goût encore plus sympas, exposées dans la partie gauche des jardins de la « Marinaressa »…

Claudio Boaretto

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LICHENS JAUNES DE HUGO

Posté par Claudio Boaretto le 10 juin 2019

Nous poursuivons la série des tableaux de l’artiste sur la Patagonie…

Une huile sur panneau entoilé de 25×30 cm, intitulée :
« Lichens jaunes »…

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Hugo H nous raconte quelque peu ses aventures picturales « Patagoniennes » qui ont motivé sa série de toiles et en particulier cette dernière…

« Bienvenue au bord du détroit de Magellan, unique route maritime entre l’océan Pacifique et l’océan Atlantique à travers la Patagonie.
J’ai eu la chance d’avoir une journée de météo très calme pour une promenade en direction du phare San Isidro, le phare le plus au sud de l’Amérique continentale. Ce qui m’a permis, entre autres merveilles, de filmer depuis la rive et pour la première fois de ma vie des « kelps » grâce à mon téléphone étanche.
Les « kelps » sont des algues géantes munies de flotteurs (des bulles gonflées de gaz) qui leur permettent de se tenir verticales dans l’eau. Elles peuvent ainsi créer de véritables forêts sous-marines, lieux qui me font évidemment rêver… Malheureusement, elles ne croissent que dans les eaux froides et je suis un plongeur frileux.
L’occasion était belle de plonger seulement ma main dans cette eau froide et cristalline pour profiter du spectacle subaquatique. Voici le croquis que j’ai pu faire en recomposant la vue depuis une vidéo prise avec le smartphone.
Très smart, oui, merci. »

Ce croquis est réalisé par Hugo H à la gouache sur son carnet de voyage…

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« Mais sortons de l’eau pour revenir sur la rive, ici composée de strates de roches inclinées qui se délitent en ribambelles crantées.
Leur sommet est couvert de lichens marins d’un jaune merveilleux et inattendu dans ce paysage aux couleurs délavées malgré une journée idéale de printemps.

L’eau du détroit aussi bien que le reflet du ciel dans les flaques est d’un bleu de Prusse, donc froid, que j’utilise très rarement. Le gris se décline dans toutes les tonalités de brun, vert neutre, jaune ocre et bleu. Surtout parmi les galets. Ah oui, il y a aussi ce vert intense des algues sur les rochers à l’arrière-plan, mais c’est toujours du jaune de chrome mélangé cette fois à du noir.
Si si, je vous assure ! »

Rétrospective…

Le 4 mai 2019

« Voici un premier jet façon croquis que j’ai fait précédemment cette semaine avec tout le temps voulu… disons bonnement trois heures. Ici on est à la peinture à l’huile »

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Le 15 mai…

« Il faut que je vous raconte : lors de cette deuxième session sur les rochers du détroit de Magellan, j’ai vécu une expérience de reflux spatio-temporel !
Alors que j’avais passé trois heures sur un premier jet que j’aimais bien, j’imaginais finir hier cette peinture.
Eh bien figurez-vous que non.
J’y ai passé quatre heures pour le résultat que vous voyez ici.
Où est passé tout ce temps ?
C’est inexplicable, n’est-ce pas ?
Je pense devoir reprendre principalement les galets et légèrement le contour des rochers jaunes à l’arrière-plan.
En gros. Oui, c’est presque fini.
En théorie… »

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En conclusion, voici l’œuvre terminée et « fotografiée » dans les règles de l’art…

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Les éventuels amateurs pourront acquérir cette toile pour 460€, tarif établi selon la dernière cotation officielle de l’artiste…

Claudio Boaretto

Publié dans 07 Peinture & Dessins | 4 Commentaires »

« TIME-LAPSE » SUR LA LAGUNE DE VENISE…

Posté par Claudio Boaretto le 9 juin 2019

Une fois n’est pas coutume je me suis amusé à faire deux petits « Time-Lapse » avec pour sujet la lagune vénitienne…

J’ai pris le premier près de l’embarcadère de Santa Maria Elisabetta où l’on peut voir de manière amusante la circulation maritime vénitienne…
C’est divertissant de voir ces bateaux se déplacer rapidement sur les eaux…
Le second sera un coucher de soleil…

Mais attention, ces deux « Time-Lapse » sont de VRAIS « Time-Lapse » et non des vidéos passées en accéléré comme on le voit souvent…
Pour ce faire, il faut un bon boitier installé sur trépied avec l’intervalomètre adéquate, par chance mes intervalomètres sont inclus dans le logiciel de mes deux boîtiers… Enfin trouver l’endroit qui convient et s’armer de patience…

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Pour le premier j’ai pris 720 foto à une seconde d’intervalle donc une prise de vues sans interruption pendant 13 minutes… 
Je les restitue en 24 foto par seconde, soit 30 secondes de « Time-Lapse » ce qui provoque l’effet d’accélération…

Un petit conseil, visionnez-le sur votre PC ou votre Mac, en prenant tout l’espace sur votre écran, c’est plus agréable à regarder…
Cliquez sur le lien pour visualiser :

https://youtu.be/Xg0edQyLJmg

Pour le second, j’ai tenté ce petit coucher de soleil toujours sur la lagune…

Hélas, un peu trop de nuages au raz de l’horizon ne m’ont pas permis d’avoir les reflets désirés sur les eaux, mais on voit quand-même le coucher puis l’apparition de l’heure bleue…

496 foto prises à 10 secondes d’intervalle donc une prise de vues sans interruption de plus d’une heure et demie, bonjour patience…
Restitution en 13 foto à la seconde soit un « Time-Lapse » de 36 secondes…

Encore une fois, surtout pour ce dernier, visionnez-le sur grand écran…
Cliquez sur le lien pour visualiser :

https://youtu.be/wC29E8MXY8U

J’essaierai de faire mieux une prochaine fois quand le mur de nuage ne me bouchera pas la ligne d’horizon…

2 2019-06-08 20

Claudio Boaretto

Publié dans 01 Venise : curiosités | 26 Commentaires »

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