LE CHÂTEAU DES MILANDES ET SA FAUCONNERIE

Après un court séjour à Venise, nous voici de retour en France…

Début septembre, nous décidons de visiter le château des Milandes, le fameux château de Joséphine Baker…
Après une heure de route à travers les forêts de Dordogne nous voici sur le parking nous offrant la première vision du château…

Le château depuis les jardins…

Au pied du château, aucun recul pour prendre la « foto » ce qui m’oblige à orienter mon boitier vers le haut avec pour conséquence la déformation des perspectives…

Avant d’entamer la visite, un spectacle de fauconnerie se prépare dans les jardins du château…
Nous voilà donc assis sur les estrades pour jouir du spectacle mais je n’ai pas mon objectif special oiseaux, trop lourd et trop encombrant à trimballer pour une visite de château…
Tant pis, je shooterai avec les moyens du bord…

Nous comptons trois fauconniers…
La fauconnière en chef commente le spectacle, micro portatif sur serre-tête et rapace sur le gant, …

Elle nous présente une magnifique Buse de Harris, une des neuf espèces de rapaces considérée comme une arme de chasse en France…

La Buse de Harris, également appelée buse à ailes marrons ou buse à croupion blanc, surnommée le petit aigle du Mexique à cause de sa répartition et d’une certaine ressemblance avec l’Aigle Royal…

Avec notre estrade placée en plein travers de la démonstration, il s’avère extrêmement difficile de shooter les rapaces en vol…
Nous sommes placés trop près et les oiseaux volent trop rapidement…
Pour bien les prendre il aurait fallu que nous soyons face aux oiseaux pendant leur vol…

J’arrive juste à les shooter quand ils s’envolent ou atterrissent, moments où ils deviennent moins rapides…

 La voilà revenue sur le gant de la fauconnière…

Il s’agit d’un oiseau curieux et docile très apprécié pour la fauconnerie de loisir…
Les chasseurs l’utilisent pour chasser la plume et le poil, en particulier les lièvres et les lapins…
D’ailleurs les fauconniers tiennent à nous faire une démonstration de chasse au lapin…

Un deuxième fauconnier présente un furet au public…

Ce dernier doit pénétrer dans le terrier et sortir le lapin pour que le rapace puisse l’attraper…

Le furet lâché courre à l’entrée du terrier…

Mais bien dressé, le furet attend sa récompense avant de pénétrer dans le terrier…

Tout le système de dressage de la fauconnerie se base sur la récompense aux animaux…
À chaque vol, une récompense que les oiseaux s’empressent de dévorer, car ils volent et chassent pour manger…

Même système pour le furet qui va pénétrer dans le terrier…

La fauconnière attend la sortie du lapin pour envoyer le rapace…

C’est parti ! …
Pas eu le temps de shooter, le lapin à peine sorti, la buse fonde sur sa proie…

Évidemment, ce n’est pas un vrai lapin, mais un lapin à roulette,  trop rigolo, avec peau et tête de lapin et un dossard en cuir contenant de la nourriture cachée…

Mais le rapace lui ne rigole pas…
Dommage que la haie juste devant nous cache le pseudo « cuniculus » victime…

Deuxième oiseau présenté par la fauconnière, le Hibou Grand-Duc, (Bubo bubo) le plus grand des rapaces nocturnes…

Il possède une envergure allant de 160 à 188 cm et peut vivre plus de 20 ans…

On rencontre le Grand-duc aussi bien dans les plaines que dans les montagnes… Très discret, il s’installe sur des corniches rocheuses, sur les remparts d’un vieux château ou à même le sol…

Le voici sur le gant du troisième fauconnier en face qui le maintient très haut, près à l’envol… il attend le signal de la fauconnière pour envoyer l’oiseau…

C’est parti…

Un autre départ…

En Europe, il fut longtemps utilisé afin de limiter certaines populations d’oiseaux qualifiés de « nuisibles » (pie, corneille, corbeau, etc.)…

La fauconnière présente maintenant la Chouette Effraie…

Son nom exact, L’Effraie des Clochers (Tyto alba), appelée aussi Dame blanche…

Un oiseau magnifique, un masque facial blanc en forme de cœur, le dessus du corps gris cendré à brun jaune, richement pointillé et perlé de fines taches blanchâtres ourlées de noir…

Elle mesure 34 à 40 cm de long pour un poids de 290 à 360 g en moyenne avec une envergure de 1,10 m…

Arrive maintenant le Grand-duc africain (Bubo africanus)… 

Hibou de taille moyenne, l’un des plus petits grands-ducs d’une longueur de 45 cm au poids variant de 480 à 850 g…

Envergure de 100 à 140 cm…

Il a les yeux jaunes et n’hésite pas de se poser à terre…
Chasseur nocturne, passant ses journées caché dans les arbres, les roches ou les terriers abandonnés…

Il pousse des sifflements dont il vient de nous gratifier…

Je le shoote en vol en plein travers, un exploit vu la rapidité du vol et le peu d’espace nous séparant !…

Un autre rapace que je découvre…

Avec sa tête particulière, le Caracara huppé…

Il adore marcher…

Il suit la fauconnière comme un petit chien…

En marchant ou en sautant…

En Amérique du Sud, il vit depuis la Terre de feu jusque dans la région du fleuve Amazone et le sud du Pérou. Une population de 500 couples vit sur les Îles Malouines. En Amérique du Nord, assez commun au Texas, rare et localisé en Arizona et très localisé en Floride…

Ce qui explique que nous ne le rencontrons pas chez nous…
La fauconnière semble bien l’apprécier…

Voici maintenant un Hibou Petit-duc, je ne saurai dire lequel, je ne m’en souviens plus, mais je penche pour le Petit-duc de Grant…

Nous flashons immédiatement sur ses grands yeux orange…

Une prise en vol…

Retour sur le gant…

La fauconnière le présente gentiment juste devant moi…

Je shoote en gros plan, trop chouette le hibou…

Les hiboux se distinguent des chouettes par leurs aigrettes, plus ou moins visibles qui n’ont aucun rapport avec l’audition…

Voici la star de la démonstration envoyé par le fauconnier numéro deux…

Récupéré par la fauconnière…
Un rapace XXL…

Le Pygargue à tête blanche (Haliaeetus leucocephalus), emblème national des États-Unis…

Pygargue juvénile n’ayant pas encore son plumage d’adulte, notamment au niveau de la tête qui doit blanchir comme nous explique la fauconnière…
Prêt à l’envol…

Poids d’environ 5 kg pour une envergure de plus ou moins 2 mètres selon les individus…
Envol…

Et vol…

Les plus imposants se trouvent en Alaska et pèsent plus de 7 kilogrammes pour une envergure de plus de 2,4 mètres…

C’est un prédateur qui préfère se repaitre de poissons…Il peut aussi se nourrir d’oiseaux comme les grèbes, les pingouins, les mouettes, les canards, les foulques, les aigrettes et les oies ; il peut parfois s’attaquer à des proies plus importantes comme le Grand Héron ou le cygne, mais aussi à des mammifères comme les lapins, les lièvres, les renards, les ratons laveurs, les rats musqués, les loutres de mer et les faons, ou bien attaquer des animaux comme le coyote (horreur !), le renard ou le vautour … 

Nouveau départ, on ne s’en lasse pas…

Il peut atteindre facilement la vitesse de 55 kilomètres heure en vol plané et 70 en vol battu…

Je termine ce beau spectacle de fauconnerie sur l’image de ce majestueux rapace au repos…

En ce qui concerne la visite du château, pas grand-chose à partager car « foto » interdites à l’intérieur du manoir…

Juste le droit de shooter sur la terrasse où tous les visiteurs, l’appareil audio accroché à l’oreille, écoutent l’histoire de Joséphine Baker…
Je m’intéressais et connaissais déjà sa vie et son parcours exemplaire bien avant qu’elle n’entre au Panthéon en novembre 2021…

Cette interdiction de « fotografier » ne me dérange pas outre mesure car, mis à part la vitrine avec les costumes de scène de Joséphine Baker, nous découvrons à l’intérieur du manoir un intérieur bourgeois du début du siècle dernier d’un intérêt très relatif…

Ne me reste qu’à shooter les extérieurs…

Depuis les jardins d’où l’on aperçoit la terrasse…

Une dernière vue pour clore ce billet illustré sur le château des Milandes et sa belle fauconnerie…

Claudio Boaretto

LA BIENNALE D’ART CONTEMPORAIN DE VENISE, CÔTÉ ARSENALE , 2nd partie

Voici l’ultime reportage sur la 59^ème Biennale d’Art de Venise

Mire Lee née en 1988 à Séoul, en Corée du Sud, vit à Amsterdam aux Pays-Bas…

Son œuvre ressemble à un échafaudage avec des tuyaux, des carcasses qui suintent etc…

Pour Lee, le processus de création de ces objets sensoriels est lui-même lié au corps, comme elle le décrit :
« Je touche et sens le matériau de près, je mets mes mains dans n’importe quel espace, j’utilise mes dents pour tenir, je me penche, je m’étire et je rampe autour de l’échelle de l’œuvre. »… 

Détail…

Inspirée du concept de vorarephilie ou « vore » (fantasme à l’idée de manger un autre individu, humain ou non humain, ou d’être mangé par lui et/ou d’observer un individu qui en mange un autre, ou encore d’être absorbé et fusionné avec un autre) la récente suite de sculptures de Lee intitulée Carriers (2020) crée des situations dans lesquelles des matériaux physiques disparates se nourrissent les uns des autres… 

Sandra Mujinga née en 1989, à Goma au Congo. Elle partage sa vie et son travail entre Berlin en Allemagne et Oslo en Norvège…

Présentées dans une installation vibrante de lumière vert fluo, ces figures à capuchon plus grandes que nature, intitulées en langue bantoue « Lingala », se composent de capes à forme humaine avec des membres textiles qui évoquent des tentacules et des troncs…

Mujinga propose un monde imaginaire où l’existence cyborg ne signale pas nécessairement une menace à l’autonomie, l’hybridité fonctionne plutôt comme une protection…

Marguerite Humeau née à Cholet, en 1986, vit et travaille à Londres, en Angleterre…

Elle présente un ensemble de trois sculptures intitulé « Migrations 2022 », comprenant « El Nino », « Kuroshio », « La Nina » réalisées avec des algues, des minéraux en poudre, du plastique et du verre et de l’aluminium…

Humeau emprunte aux recherches sur les rituels extatiques, les transes, la morphologie animale et le changement climatique…

Leur créatrice leur a donné un nom qui les désigne comme des êtres à part entière, que ce soient des organismes nageant au fond des océans, des cellules transitant dans le liquide d’un organisme, des voyageurs inconnus de l’espace…

Monira Al Qadiri née en 1983, à Dakar au Sénégal, grandit au Koweit, à l’âge de 16 ans, elle s’installe, seule, au Japon, vit et travaille actuellement à Berlin…

Élevé au Koweït, Al Qadiri passe la dernière décennie à créer des sculptures et des vidéos qui adoptent une gamme de stratégies pour expliquer l’étonnant développement urbain et économique de la région du golfe Persique au cours des dernières décennies…

« OR-BIT 1-8 » (2016-2018)…

Série de sculptures imprimées en 3D recouvertes de peinture automobile irisée, incarne la puissance troublante du forage pétrolier…

Représentant des têtes de forage, ces sculptures de table flottent comme par magie à l’aide d’une plate-forme de rotation magnétique commerciale, insérée dans la base de chacune d’elles…

Tournant dans les airs, ces têtes de forage brillantes créent une expérience d’émerveillement et deviennent des symboles terrifiants de la dévastation de l’environnement…

Jeong Geumhyung née en 1980 à Séoul, artiste de performance, danseuse et chorégraphe sud-coréenne, vit et travaille à Séoul en Corée du Sud…

« Toy Prototype 2021 »…
Geumhyung utilise des corps, des mannequins, des machines, des jouets sexuels et des figures animés d’électronique. Ses réalisations sont construites à partir de pièces de bricolage…

Les « jouets » présentés ici sont des robots de bricolage créés par l’artiste suite à son apprentissage autodidacte dans la programmation de circuits et de mécanismes électroniques, un processus qu’elle a comparé à la couture point-par-point…

Jeong crée des rencontres entre l’homme et la machine qui testent notre capacité d’empathie lorsque des entités non humaines semblent avoir besoin de notre aide…

Tishan Hsu né en 1951, à Boston, vit à New York USA…
Il décrit l’intégration de la technologie avec le corps comme sa préoccupation artistique centrale. Il dit, « je me considère comme un cyborg. Google est ma mémoire »…

Les travaux les plus récents de Hsu utilisent des techniques de fabrication et des matériaux innovants, en particulier le silicone et l’alkyde, une résine synthétique durable, pour évoquer les orifices corporels, la matière organique ou les excroissances biotiques. …

Ses œuvres jouent sur les technologies qui désincarnent et connectent simultanément les êtres humains, avec une attention particulière aux appareils médicaux. A l’origine de ces travaux se trouve la question des effets de la technologie – qu’elle soit déformante, de surveillance ou vivifiante – sur l’être humain…

Robert Grosvenor, né en 1937, à New York USA…
Depuis les années 1960, Robert Grosvenor développe un langage artistique diversifié, utilisant des concepts architecturaux et des dynamiques spatiales dans des sculptures qui témoignent à la fois d’une austérité solennelle et d’un malicieux clin d’œil…

« Untitled (2018) », un conteneur industriel en acier au fond intérieur peint en or, abrite un scooter rouge, isolé, à distance du spectateur…

Precious Okoyomon, poète, artiste et chef, née en 1993, à Londres, double nationalité nigérienne et américaine, vit et travaille à New York, États Unis…

Elle met en scène des topographies sculpturales composées de matériaux vivants, en croissance, en décomposition et mourants, notamment de la roche, de l’eau, des fleurs sauvages, des escargots des vignes, kudzu et canne à sucre …

Pour Okoyomon, la nature demeure indissociable des marques historiques de la colonisation et de l’asservissement. Dans leur travail, des plantes comme le kudzu ( une vigne originaire d’Asie introduite pour la première fois par le gouvernement américain dans les fermes du Mississippi en 1876 comme moyen de fortifier l’érosion du sol local dégradé par la sur-culture du coton, puis se révélant envahissante de manière incontrôlable)  sont devenus des métaphores de l’enchevêtrement de l’esclavage et de la racialisation…

Tout comme le kudzu, la canne à sucre est une plante dont l’essence même est saturée des circonstances économiques et historiques de la traite négrière transatlantique…
L’installation d’Okoyomon tente d’invoquer une politique de révolte et de révolution écologiques…

L’artiste interdisciplinaire néozélandais, Yuki Kihara, présente une exposition d’ensemble, « Paradise Camp »… 

Conçu il y a huit ans, « Paradise Camp » comprend une suite de douze tableaux photographiques aux couleurs saturées qui recyclent les peintures de Paul Gauguin…

Les reconstitutions audacieuses de Kihara abordent l’intersectionnalité entre la décolonisation, la politique identitaire et la crise climatique dans une perspective résolument « Pasifika », racontant leur histoire depuis le Pacifique…

Lumturi Blloshmi, artiste albanais (1944-2020) travaille dans la peinture, la photographie, l’installation et la performance. Ses œuvres se caractérisent par une certaine ironie et une manière distincte de refléter et de dépasser la réalité dans laquelle elle vivait…
Cette présentation consiste en une sélection d’œuvres de Blloshmi des années 1960 jusqu’aux années 2010, couvrant des autoportraits et des compositions en peinture et en photographie…

Sa personnalité dynamique et sa conscience de soi, nourries de philosophie, de poésie, de sensualité et de spiritualité, donnent forme à une œuvre distinctive qui témoigne du parcours remarquable d’un esprit créatif qui endura et créa malgré les politiques, physiques et idéologiques. Limites imposées par la vie et par le contexte particulier de l’Albanie communiste après la Seconde Guerre mondiale…

Tableau mal exposé, une partie restant à l’ombre… 

« Janus Gate » installation à la fois spectaculaire et mystérieuse de Ayman Baalbaki, artiste libanais né à Beyrouth en 1975…

L’installation monumentale d’Ayman Baalbaki et la vidéo de Danielle Arbid (vidéo que je n’ai pas vue) évoluent entre une image mentale devenue réalité grâce au geste plastique de Baalbaki, et une réalité tangible devenue pure vision dans l’œil d’Arbid… 

Le dialogue artistique prend place dans le caractère urbain polysémique de Beyrouth, au cœur des bouleversements de la crise mondiale et de l’instabilité émotionnelle d’un monde technologisé…

Cette édition 2022 de la Biennale marquera la première présence d’un pavillon entièrement dédié au sultanat d’Oman…

« Une expo d’hier et d’aujourd’hui, d’ici et d’ailleurs
Le rendu ? Un hub intemporel qui témoigne de la manière qu’a ce petit pays du Moyen-Orient de traverser les époques. Un assemblage de travaux qui transfigurent les angoisses des artistes liées à l’avènement de la modernité, l’importance qu’ils accordent aux paysages et leur expérimentation formelle des technologies. » 

J’avoue ne pas avoir compris la signification de ces gros cailloux suspendus…

Le pavillon de l’Irlande…

Les sculptures et les images en mouvement de Niamh O’Malley nous maintiennent dans l’espace pour lequel elles sont faites. À l’aide d’acier, de calcaire, de bois et de verre, elle façonne et assemble des objets pour créer un paysage de formes déterminées…

Des sculptures hautes et autoportantes, portantes au sol et en porte-à-faux, avec une image en mouvement rythmée…

Au premier coup d’œil j’ai cru que c’était un grand panier de basket, lol…

Détail…

Les œuvres d’O'Malley, écrit Lizzie Lloyd, « sont remplies de bords qui décrivent, se chevauchent et jouxtent d’autres bords. Leurs points de rencontre accentuent les surfaces polies, piquées, poudrées, sur lesquelles notre regard se pose et glisse. »

Le pavillon du Chili :
Grands panneaux sur fond noir…

Le pavillon Turba Tol Hol-Hol Tol est un projet collectif mené par la conservatrice Camila Marambio qui propose une voie expérimentale vers la conservation et la visibilité des tourbières, un type de zone humide considéré comme l’écosystème naturel le plus efficace pour accumuler du carbone dans l’atmosphère et pourtant l’un des moins étudiés….

Avec force détails et explications, toujours sur tableau noir…

Le pavillon Slovène représenté par les peintures de Marko Jakše né en 1959 à Ljubljana…

Depuis plus de trois décennies, le peintre Marko Jakše, lauréat du prix Prešeren Fund Award 2015, fait sensation avec ses œuvres ingénieuses et imaginatives…

Avec ses motifs figuratifs et paysagers reconnaissables, il crée un univers artistique mystérieux, entremêlant l’onirique et le réel, le lyrique et le narratif, l’archaïque et le moderne…

Il voit son voyage comme une forme de jeu, explorer la spontanéité et rester un enfant éternel…

Des tableaux immenses comme on le constate sur cette « foto » avec ce rideau s’ouvrant sur la sortie de l’espace slovène…

En l’extérieur sur les quais, l’ancienne grue hydraulique de « l’Arsenale », déjà « fotografiée » maintes fois par votre serviteur…
Allez, un peu d’histoire vénitienne :

En 1883, la marine italienne commande la grue à la société Armstrong, Mitchell et Co. dans le cadre d’un plan d’agrandissement et de modernisation de l’Arsenal de Venise.
La grue fonctionne en 1885…
Au début du 20ème siècle, on change son mode de fonctionnement, on remplace la machine à vapeur par un moteur électrique…
La grue reste opérationnelle pendant environ 30 ans, jusqu’à la Première Guerre mondiale, quand elle subit quelques dommages. Mise hors service en 1940 du vérin de levage… La grue continue tout de même à remplir sa fonction à l’aide d’un treuil, endommagé en 1946, mais réparé instantanément…
La grue cesse de fonctionner au cours des années cinquante du siècle dernier…

Plus loin, derrière la grue, les magnifiques « Gaggiandre » et ses arcades, créées par l’architecte et sculpteur Jacopo Sansovino, construites en 1573… Grandes darses couvertes où l’on armait les galères vénitiennes en construction…

À l’intérieur des « Gaggiandre » historiques, l’artiste américaine Wu Tsang née en 1982 dans le Massachusetts présente son installation « Of Whales »  (Des Baleines)…
Wu Tsang se considère comme représentante du mouvement transgenre dans l’art et s’identifie en tant que « transféminine »…

« Son emplacement magnifique le long des arcades ajoute une toile de fond immersive, reflétant l’écran de 16 mètres à la surface de l’eau »…

Malheureusement pas de reflet lors de notre visite dû, en raison de la marée, au léger mouvement des vagues brouillant la surface du bassin…

Bluffé, je croyais admirer une immense peinture mais nous étions devant un écran, il nous fallait lire les explications pour comprendre :

« Réputée pour ses récits marginalisés, ses films documentaires, ses performances en direct et ses installations vidéo, tandis que certaines de ses œuvres ont été exposées dans de nombreux musées et lieux à travers le monde, Wu Tsang crée un film dynamique en temps réel qui cherche à nourrir le public avec une interprétation sensible de la perspective de la baleine. Grâce à l’utilisation d’outils de développement de jeux, « Of Whales » sera exposé en permanence, offrant aux visiteurs une expérience audiovisuelle changeante tout au long de la journée »…

Bien que nous flânions une bonne demi-heure sur ces lieux, l’image ne changea pas…

Éreintés nous visitions le dernier pavillon de la journée, celui de l’Italie, grand bâtiment derrière les « Gaggiandre »…

« History of Night and Destiny of Comets », (Histoire de la nuit et du destin des comètes)…
Pour la première fois, le pavillon italien présente le travail d’un seul artiste, Gian Maria Tosatti, né à Naples en 1980…  

L’installation – dont le sujet central est l’équilibre difficile entre développement et durabilité et entre éthique et profit – nous emmène à travers l’ascension et la chute de l’industrialisation italienne, des années 1960 à nos jours.
Le public déambule dans les ateliers et entrepôts reliés par des escaliers métalliques et les portes en aluminium anodisées…

« Afin de créer l’ensemble de l’œuvre », explique l’artiste, « nous avons visité de nombreuses usines italiennes, qu’elles soient fermées, en faillite ou toujours en activité ; nous avons recueilli les histoires de ceux qui y vivent ou y ont vécu, y compris celles gravées sur les machines avec les empreintes digitales de ceux qui y travaillaient. Nous avons ensuite acheté ces parties d’usines et nous les avons amenées à l’Arsenal »…

Une salle remplie de tuyaux aspirant ou soufflant bruyamment de l’air… Une ambiance très particulière…

Un appartement sombre surplombe et s’ouvre sur une usine textile avec des dizaines de machines à coudre, dans ce qui est peut-être la partie la plus visuellement frappante de l’installation et un symbole de la croissance économique italienne non planifiée du passé…

Fin du dernier reportage illustré sur la 59^ème Biennale d’art de Venise, ouverte jusqu’au 27 novembre 2022.  …
Je passais plus de temps à comprendre et collecter et synthétiser les informations sur les œuvres des artistes qu’à shooter et traiter mes « foto »…

Mission accomplie…

Claudio Boaretto

LA BIENNALE D’ART CONTEMPORAIN DE VENISE, CÔTÉ ARSENALE , 1ère partie

Après le côté « Giardini » de la Biennale d’Art contemporain de Venise, le jour suivant nous attaquons le côté « Arsenale » aussi rempli et intense que les « Giardini »…

Suite aux commentaires reçus précédemment, cette fois, au lieu de vous livrer les explications officielles ex abrupto sur les œuvres, souvent incompréhensibles, frisant parfois même le ridicule, je vais tenter, dans la mesure du possible, une synthèse des explications collectées sur la Toile, rédigées en français, en italien, en anglais ou autres, toutes les nations étant présentes à la Biennale…

Dans l’immense espace de la « Corderie » de l’Arsenal « Brick House » nous accueille, œuvre de Simone Leigh, artiste ayant transformé en case africaine le pavillon d’architecture néo-classique des USA comme nous le constations dans la 1^ère partie des Giardini…

Statue de bronze de près de 5 mètres de haut, dont le corps ressemble à une hutte en terre battue, surmonté d’une tête dont les traits correspondent au visage du sphinx exposé au pavillon des États-Unis…
Je note son manque de regard…

Gabriel Chaile, artiste argentin présente ses œuvres, cinq sculptures-fours mettant en scène, en grand format, des membres de sa famille.
La figure centrale Rosaria Liendro, sa grand-mère maternelle…

Travaux à base de matériaux, de formes et d’archétypes hérités de la civilisation précolombienne, réalisés dans une perspective symbolique à la fois tendre et humoristique…

Ses sculptures caractéristiques dérivent d’une théorie qu’il appelle « la généalogie de la forme » : en s’appuyant sur des objets tels que des pots et des fours en argile qui prennent souvent des traits anthropomorphes. Il invoque la relation des récipients traditionnels argentins à la nourriture, au soutien, la collaboration et les activités…

Souvent j’inclue des visiteurs sur les clichés pour appréhender la taille des œuvres…

« Gwendolyn » sculpture de Niki de Saint Phalle, de son vrai nom Catherine Marie-Agnès de Saint-Phalle, franco-américaine, (1930-2002) plasticienne, peintre, graveuse, sculptrice et réalisatrice de films, elle débute sa carrière professionnelle en tant que mannequin…

« Gwendolyn » appartient à une série d’œuvres qui se nomme Nanas, réalisées en Résine de Polyester et structure métallique puis peintes en couleurs luisantes. Volumineuses, rondes elles possèdent un aspect joyeux…

Si les courbes larges et sinueuses de Gwendolyn n’accentuent pas suffisamment sa grossesse, alors la bulle peinte sur son ventre l’annonce fièrement…

Myrlande Constant, artiste textile haïtienne spécialisée dans les drapeaux vaudou…
En 1990, elle débute sa fabrication de drapeaux de style vaudou, elle influence et modifie cette forme d’art jusqu’alors réservé aux hommes…
De nos jours, elle réalise des tableaux monumentaux dans laquelle elle incorpore des perles…

Elle change radicalement la tradition en utilisant des perles de verre au lieu de paillettes. Après trois décennies consacrées au médium, la méthode et le style de Constant influencent chaque artiste « drapo vodou » travaillant aujourd’hui. Les drapeaux de Constant sont de grande taille, souvent jusqu’à deux mètres de large, tendus sur des cadres en bois… 

Ruth Asawa ; artiste étasunienne née à Norwalk, USA (1926 – 2013)…

Détenue de force en 1942 par le gouvernement américain dans un camp d’internement pendant la Seconde Guerre mondiale aux côtés de sa famille et de milliers d’autres personnes d’origine japonaise, y compris des animateurs de Walt Disney, qui l’aidèrent à apprendre le dessin et la peinture…

Asawa construit des sculptures suspendues, transformant des matériaux industriels de tous les jours…
En 1952, elle réalise « Hanging Eight Separate Cônes », huit cônes tressés et suspendus par un fil. Elle utilise du fil de fer mais aussi du fil de cuivre, de laiton et d’aluminium, galvanisé et oxydé… Des formes sphériques sinueuses et gracieuses, qui, bien que tridimensionnelles en volume, ne contiennent aucun intérieur…

Safia Farhat, artiste tunisienne (1924-2004), dessinatrice, peintre, céramiste mais aussi tapissière et décoratrice…
Après l’indépendance de la Tunisie en 1956, Safia Farhat devient la première femme tunisienne à enseigner à l’Institut supérieur des Beaux-Arts de Tunis, elle en devient même la directrice…

L’instrumentalisation du tissage par Farhat est comprise comme un hommage moderniste à une tradition fondée sur le travail des femmes. Une combinaison de motifs géométriques audacieux, de couleurs vives et de motifs figuratifs tissés à partir de laines teintes et filées à la main…

Mélangeant différentes hauteurs de poils et textures, l’imposante œuvre prend une allure de collage, « représentant un paysage verdoyant parsemé d’un cheval au galop qui semble se précipiter dans un terrain fantastique de formes abstraites »… 
Le paysage verdoyant, d’accord, mais pas vu le cheval ?!…

Emma Talbot, artiste britannique utilisant le dessin, la peinture, l’installation et la sculpture…
Une frise grandiose attire d’emblée le regard comme ce visiteur en arrêt devant l’œuvre…

Les peintures, dessins, animations et sculptures à grande échelle de Talbot incorporent une figuration simplifiée, des motifs mythologiques, des motifs rythmiques, des couleurs vives et des textes calligraphiques pour exprimer des aspects des expériences personnelles et intérieures…

Au passage admirons ce magnifique espace, la Corderie de « l’Arsenale di Venezia », peuplé de colonnes permettant l’exposition de ces œuvres immenses…

Tirant son titre du tableau historique de Paul Gauguin de 1897-1898, peint dans un moment de crise profonde et de prise de conscience existentielle,
« Where do we come from? What are we? Where are we going? – D’où venons-nous? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? »,
Talbot aborde le désir humain d’évasion dans notre présent écologiquement catastrophique…
Ces trois grandes questions philosophiques figurent, sans les points d’interrogation, en haut à gauche de cette splendide frise mesurant 139cm X 375cm…

Ses figures féminines élégamment gainées dans des tissus de soie peints par l’artiste, touchent des thèmes tels que l’origine et le sens de la vie, à l’aide de motifs mythologiques ou de motifs issus de ses réflexions personnelles…

Une femme terrasse un serpent et lève le bras surement en signe de victoire…

Une autre femme de couleur rose semble accoucher, en tenant un serpent qui semble être le cordon ombilical…

Candice Lin, artiste étatsunienne interdisciplinaire travaillant dans l’installation, la sculpture, le dessin, la céramique et la vidéo…

Lin adopte des tactiques d’exposition souvent associées à l’anthropologie et à l’histoire naturelle…

Sorte de laboratoire excentrique de techniques mixtes qui conjugue science et médecine traditionnelle, art et ex-voto, sacré et profane… 

Je ne trouvais pas grand-chose sur la signification précise de ses sculptures…

Libre-cour donc à votre ressenti…

Aage Gaup (1943-2021) artiste Norvégien et Sami, sculpteur, scénographe et militant politique, figure centrale de l’art sàmi… Il travaillait des matériaux tels que le bois, le béton ainsi que l’aluminium et réalisait des éléments abstraits et figuratifs…

« Sculpture I & II (1979) », l’œuvre ressemble à une vague, un nuage, suspendue dans les airs. Une bande bleue peinte en bas, jaune au milieu et orange en haut suggèrent une rivière avec sa rive et peut-être le ciel ou le lever du soleil au-dessus….

 Ali Cherri né en 1976 à Beyrouth au Liban, vit à Paris en France…

Les Titans en terre cuite réalisés par l’artiste libanais évoquent les divinités de la mythologie antique qui racontait l’histoire de ces êtres fantastiques apparus aux origines du monde…

Modelés par l’artiste contemporain à la manière des anciens, les Titans évoquent le début d’un effritement et la menace d’une disparition combattue par la volonté de durer d’un esprit tourné vers l’avenir…

L’artiste indien Prabhakar Pachpute combine le politique, le personnel et le surréaliste… Dans son travail, il explore les questions de l’industrie, de la terre, fortement influencé par ses origines, son éducation et le travail de ses ancêtres dans les mines de Chandrapur…

Pour « Unfolding of the remains II » (Dépliage des restes II) ce tableau de plus de 10 mètres montre une excavation dans laquelle la coque du bateau est visible.
Prabhakar Pachpute s’inspire de la découverte d’un bateau romain dans des mines situées en Serbie. Un paysage désertique s’offre aux yeux des spectateurs ponctués d’animaux symboliques de l’Inde comme l’éléphant et le tigre du Bengale. Des engins d’excavation avec des allures plutôt surréalistes sont présents…

À droite du tableau une sculpture…

« The Underground nest over the dune II 2022 » (Le nid souterrain au-dessus de la dune II 2022) , sculpture mi-cheval mi-scorpion possédant une queue dont l’extrémité est une lanterne, elle peut représenter un fanal de navire ou bien une lampe comme les mineurs utilisaient fréquemment…

L’artiste canadienne Tau Lewis présente l’installation « Divine Giants Tribunal 2021 » (Tribunal des Géants Divins 2021), composée de trois masques… 

Le premier « Angelus Mortem »…

Tau utilise différents tissus, de la fourrure et du cuir, des perles, de la peinture acrylique et des coquillages etc…

« Vena Cava »…

Quelques visiteurs pour appréhender la taille du masque…

Les portraits monumentaux de Tau issus de son environnement font aussi référence au mysticisme et au dramaturge Wole Soyinka qui mit en valeur l’ethnie des Yorubas en Afrique, Wole Soyinka premier écrivain africain à recevoir le prix Nobel de littérature (1986)…

De profil…

Une forme de puissance à la fois passive, mais aussi prête à prendre vie, à se mettre en mouvement…

« Sol Niger »…

Allez, juste pour le plaisir, un court extrait du texte officiel de présentation, véritable exercice de style :

« l’artiste crée des monuments subversifs, rendant hommage aux philosophies de l’ingéniosité matérielle comme geste représentatif des communautés diasporiques. En activant la malléabilité idéologique des textiles et leur association historique avec le travail féminisé, Lewis dissout également l’espace entre les pôles artistiques et politiques, en particulier entre les pratiques traditionnellement définies comme artisanales, rituelles ou artistiques. »

L’art de l’enrobage, pour ne pas dire de l’enfumage, un vrai métier !…

Pour l’échelle, « foto » avec visiteurs…

Tout aussi spectaculaire de profil…

Igshaan Adams artiste Sud-africain…

« Bonteheuwel / Epping » Tapisserie géante, composée de Bois, Bois peint, Plastique, Os, Perles de Verre, Coquillages, Corde en Polyester et Nylon, Corde de Coton, Maillons de Chaînes, Câble d’acier, Ficelle de coton (495 x 1170 cm) 2021…

Les diagonales représentent ce que Adams appelle « les lignes du désir », des chemins non planifiés créés à la suite de l’érosion due à la circulation piétonnière, qui, tout au long de l’ère de l’apartheid, furent utilisés pour relier les communautés que le gouvernement voulait séparer de force…

Lavinia Schulz (1896-1924) et Walter Holdt (1899-1924) artistes et danseurs allemands…
Lavinia Schulz réalisait les costumes avec des objets de récupération…

En avril 1920, elle épouse Walter Holdt, qui devient également son partenaire artistique…
Ils ont rejeté la religion conventionnelle et l’expressionnisme comme une solution complète et ils auraient aimé vivre sans argent… 

Ils vivaient sans lit ni meuble et restaient en collants de danse afin de pouvoir consacrer leurs journées à créer de nouvelles danses et costumes d’accompagnement…

Confrontée à la ruine financière, elle mourut à Hambourg en 1924 quatre jours avant son anniversaire, après avoir abattu son partenaire puis elle-même…

Dans les années 1980, le Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg redécouvre les costumes, ainsi qu’une série de photographies de studio prises par Minya Diez-Dührkoop. Cette découverte révèle que le travail de Schulz était un témoignage significatif de la créativité et de l’art fantastiques de la culture de la danse de l’ère de Weimar…

Teresa Solar née en 1985, à Madrid, Espagne, présente sa nouvelle série « Tunnel Boring Machine 2022 » comprenant trois grandes sculptures…

Inspirées d’animaux et de formes de vie préhistoriques rappelant des branchies de poisson, des nageoires de dauphin, des becs, des lames et des rames…

Suspendues entre le biologique et le produit industriel, le tangible et le mythique, ses œuvres de sculpture présentent un monde hybride infléchi par la fiction et le conte…

En résine et argile traitées avec une finition polie, colorées et élancées, pleines de douceur, en rondeurs et courbes …

Le portrait d’Allison Katz, artiste canadienne, s’inspire à la fois du Petit Chaperon rouge mais aussi du film d’horreur Don’t Look Now. Film qui raconte l’histoire de Laura et John Baxter. John doit restaurer une église à Venise. Le couple qui a perdu leur fille dans une mort accidentelle, se rend donc à Venise. Il fait la connaissance de deux sœurs, dont l’une prétend être clairvoyante. C’est à dire qu’elle prétend que leur fille essaie de les contacter. John Baxter n’y croit absolument pas puis peu à peu change d’avis…

Tetsumi Kudo (1935-1990) Japon, figure essentielle du développement de l’Anti-Art » dans les années 1950 à Tokyo …
Après avoir déménagé à Paris en 1962, Kudo crée des œuvres guidées par son sentiment que, dans une « nouvelle écologie » où l’homme, la nature et la technologie s’entremêlaient, les valeurs éthiques étaient aussi échangeables que les biens de consommation…

Son œuvre « Flowers from Garden of the Metamorphosis in the Space Capsule » (Fleurs du Jardin de la Métamorphose dans la Capsule Spatiale) met en scène des fleurs artificielles baignées dans une lumière fluorescente pour créer une aura étrangement high-tech…

Jes Fan, né à Scarborough, au Canada, mais grandi à Hong Kong, vit à New York et Hong Kong.

Globules de verre soufflés à la bouche injectés de mélanine, de moisissure noire, de capsules remplies de soja, de savon chargé de testostérone, de cosmétiques riches en œstrogènes et de l’urine de sa propre mère…

La présentation officielle ne m’aide pas et je peine à comprendre la finalité de l’œuvre :

« à travers ces matériaux évocateurs, Jes Fan propose un moyen critique d’explorer les propriétés qu’il décrit à la fois politiquement contestées et totalement absurdes. Conçue comme une accumulation des thèmes et des formes qui ont caractérisé son travail précédent à ce jour, la nouvelle sculpture de Fan aborde les glandes et l’intériorité de la vie à travers une approche animiste des objets et une exploration sculpturale de l’enchevêtrement du corps avec la technologie. »

Raphaela Vogel, artiste allemande, utilise de multiples disciplines comme la vidéo, le son, les installations, la sculpture et la peinture…
Elle présente un pénis dans un modèle anatomique coloré à grande échelle, affligé en détail caricatural de nombreuses maladies et affections – cancer de la prostate et des testicules, verrues génitales, dysfonction érectile – comme indiqué dans une série de planches explicatives…
L’humour et le fantastique sont fortement liés dans cette œuvre…

En créant ses mondes obscurs et énigmatiques, les environnements de Vogel suggèrent des mythes, des reliques et des sacrifices rituels, tirés à la fois de l’histoire de l’art, de la littérature et de l’imagination du spectateur.
Tirée sur un traineau, la sculpture maladive est menée effrontément par une flotte de girafes blanches, comme s’il s’agissait d’un aristocrate ou d’un membre d’une famille royale imaginaire…

À bientôt pour la 2^nd partie côté Arsenale et ultime reportage sur la 59^ème Biennale d’Art de Venise…

Claudio Boaretto