LA BIENNALE D’ART CONTEMPORAIN DE VENISE, CÔTÉ ARSENALE , 2nd partie

Voici l’ultime reportage sur la 59^ème Biennale d’Art de Venise

Mire Lee née en 1988 à Séoul, en Corée du Sud, vit à Amsterdam aux Pays-Bas…

Son œuvre ressemble à un échafaudage avec des tuyaux, des carcasses qui suintent etc…

Pour Lee, le processus de création de ces objets sensoriels est lui-même lié au corps, comme elle le décrit :
« Je touche et sens le matériau de près, je mets mes mains dans n’importe quel espace, j’utilise mes dents pour tenir, je me penche, je m’étire et je rampe autour de l’échelle de l’œuvre. »… 

Détail…

Inspirée du concept de vorarephilie ou « vore » (fantasme à l’idée de manger un autre individu, humain ou non humain, ou d’être mangé par lui et/ou d’observer un individu qui en mange un autre, ou encore d’être absorbé et fusionné avec un autre) la récente suite de sculptures de Lee intitulée Carriers (2020) crée des situations dans lesquelles des matériaux physiques disparates se nourrissent les uns des autres… 

Sandra Mujinga née en 1989, à Goma au Congo. Elle partage sa vie et son travail entre Berlin en Allemagne et Oslo en Norvège…

Présentées dans une installation vibrante de lumière vert fluo, ces figures à capuchon plus grandes que nature, intitulées en langue bantoue « Lingala », se composent de capes à forme humaine avec des membres textiles qui évoquent des tentacules et des troncs…

Mujinga propose un monde imaginaire où l’existence cyborg ne signale pas nécessairement une menace à l’autonomie, l’hybridité fonctionne plutôt comme une protection…

Marguerite Humeau née à Cholet, en 1986, vit et travaille à Londres, en Angleterre…

Elle présente un ensemble de trois sculptures intitulé « Migrations 2022 », comprenant « El Nino », « Kuroshio », « La Nina » réalisées avec des algues, des minéraux en poudre, du plastique et du verre et de l’aluminium…

Humeau emprunte aux recherches sur les rituels extatiques, les transes, la morphologie animale et le changement climatique…

Leur créatrice leur a donné un nom qui les désigne comme des êtres à part entière, que ce soient des organismes nageant au fond des océans, des cellules transitant dans le liquide d’un organisme, des voyageurs inconnus de l’espace…

Monira Al Qadiri née en 1983, à Dakar au Sénégal, grandit au Koweit, à l’âge de 16 ans, elle s’installe, seule, au Japon, vit et travaille actuellement à Berlin…

Élevé au Koweït, Al Qadiri passe la dernière décennie à créer des sculptures et des vidéos qui adoptent une gamme de stratégies pour expliquer l’étonnant développement urbain et économique de la région du golfe Persique au cours des dernières décennies…

« OR-BIT 1-8 » (2016-2018)…

Série de sculptures imprimées en 3D recouvertes de peinture automobile irisée, incarne la puissance troublante du forage pétrolier…

Représentant des têtes de forage, ces sculptures de table flottent comme par magie à l’aide d’une plate-forme de rotation magnétique commerciale, insérée dans la base de chacune d’elles…

Tournant dans les airs, ces têtes de forage brillantes créent une expérience d’émerveillement et deviennent des symboles terrifiants de la dévastation de l’environnement…

Jeong Geumhyung née en 1980 à Séoul, artiste de performance, danseuse et chorégraphe sud-coréenne, vit et travaille à Séoul en Corée du Sud…

« Toy Prototype 2021 »…
Geumhyung utilise des corps, des mannequins, des machines, des jouets sexuels et des figures animés d’électronique. Ses réalisations sont construites à partir de pièces de bricolage…

Les « jouets » présentés ici sont des robots de bricolage créés par l’artiste suite à son apprentissage autodidacte dans la programmation de circuits et de mécanismes électroniques, un processus qu’elle a comparé à la couture point-par-point…

Jeong crée des rencontres entre l’homme et la machine qui testent notre capacité d’empathie lorsque des entités non humaines semblent avoir besoin de notre aide…

Tishan Hsu né en 1951, à Boston, vit à New York USA…
Il décrit l’intégration de la technologie avec le corps comme sa préoccupation artistique centrale. Il dit, « je me considère comme un cyborg. Google est ma mémoire »…

Les travaux les plus récents de Hsu utilisent des techniques de fabrication et des matériaux innovants, en particulier le silicone et l’alkyde, une résine synthétique durable, pour évoquer les orifices corporels, la matière organique ou les excroissances biotiques. …

Ses œuvres jouent sur les technologies qui désincarnent et connectent simultanément les êtres humains, avec une attention particulière aux appareils médicaux. A l’origine de ces travaux se trouve la question des effets de la technologie – qu’elle soit déformante, de surveillance ou vivifiante – sur l’être humain…

Robert Grosvenor, né en 1937, à New York USA…
Depuis les années 1960, Robert Grosvenor développe un langage artistique diversifié, utilisant des concepts architecturaux et des dynamiques spatiales dans des sculptures qui témoignent à la fois d’une austérité solennelle et d’un malicieux clin d’œil…

« Untitled (2018) », un conteneur industriel en acier au fond intérieur peint en or, abrite un scooter rouge, isolé, à distance du spectateur…

Precious Okoyomon, poète, artiste et chef, née en 1993, à Londres, double nationalité nigérienne et américaine, vit et travaille à New York, États Unis…

Elle met en scène des topographies sculpturales composées de matériaux vivants, en croissance, en décomposition et mourants, notamment de la roche, de l’eau, des fleurs sauvages, des escargots des vignes, kudzu et canne à sucre …

Pour Okoyomon, la nature demeure indissociable des marques historiques de la colonisation et de l’asservissement. Dans leur travail, des plantes comme le kudzu ( une vigne originaire d’Asie introduite pour la première fois par le gouvernement américain dans les fermes du Mississippi en 1876 comme moyen de fortifier l’érosion du sol local dégradé par la sur-culture du coton, puis se révélant envahissante de manière incontrôlable)  sont devenus des métaphores de l’enchevêtrement de l’esclavage et de la racialisation…

Tout comme le kudzu, la canne à sucre est une plante dont l’essence même est saturée des circonstances économiques et historiques de la traite négrière transatlantique…
L’installation d’Okoyomon tente d’invoquer une politique de révolte et de révolution écologiques…

L’artiste interdisciplinaire néozélandais, Yuki Kihara, présente une exposition d’ensemble, « Paradise Camp »… 

Conçu il y a huit ans, « Paradise Camp » comprend une suite de douze tableaux photographiques aux couleurs saturées qui recyclent les peintures de Paul Gauguin…

Les reconstitutions audacieuses de Kihara abordent l’intersectionnalité entre la décolonisation, la politique identitaire et la crise climatique dans une perspective résolument « Pasifika », racontant leur histoire depuis le Pacifique…

Lumturi Blloshmi, artiste albanais (1944-2020) travaille dans la peinture, la photographie, l’installation et la performance. Ses œuvres se caractérisent par une certaine ironie et une manière distincte de refléter et de dépasser la réalité dans laquelle elle vivait…
Cette présentation consiste en une sélection d’œuvres de Blloshmi des années 1960 jusqu’aux années 2010, couvrant des autoportraits et des compositions en peinture et en photographie…

Sa personnalité dynamique et sa conscience de soi, nourries de philosophie, de poésie, de sensualité et de spiritualité, donnent forme à une œuvre distinctive qui témoigne du parcours remarquable d’un esprit créatif qui endura et créa malgré les politiques, physiques et idéologiques. Limites imposées par la vie et par le contexte particulier de l’Albanie communiste après la Seconde Guerre mondiale…

Tableau mal exposé, une partie restant à l’ombre… 

« Janus Gate » installation à la fois spectaculaire et mystérieuse de Ayman Baalbaki, artiste libanais né à Beyrouth en 1975…

L’installation monumentale d’Ayman Baalbaki et la vidéo de Danielle Arbid (vidéo que je n’ai pas vue) évoluent entre une image mentale devenue réalité grâce au geste plastique de Baalbaki, et une réalité tangible devenue pure vision dans l’œil d’Arbid… 

Le dialogue artistique prend place dans le caractère urbain polysémique de Beyrouth, au cœur des bouleversements de la crise mondiale et de l’instabilité émotionnelle d’un monde technologisé…

Cette édition 2022 de la Biennale marquera la première présence d’un pavillon entièrement dédié au sultanat d’Oman…

« Une expo d’hier et d’aujourd’hui, d’ici et d’ailleurs
Le rendu ? Un hub intemporel qui témoigne de la manière qu’a ce petit pays du Moyen-Orient de traverser les époques. Un assemblage de travaux qui transfigurent les angoisses des artistes liées à l’avènement de la modernité, l’importance qu’ils accordent aux paysages et leur expérimentation formelle des technologies. » 

J’avoue ne pas avoir compris la signification de ces gros cailloux suspendus…

Le pavillon de l’Irlande…

Les sculptures et les images en mouvement de Niamh O’Malley nous maintiennent dans l’espace pour lequel elles sont faites. À l’aide d’acier, de calcaire, de bois et de verre, elle façonne et assemble des objets pour créer un paysage de formes déterminées…

Des sculptures hautes et autoportantes, portantes au sol et en porte-à-faux, avec une image en mouvement rythmée…

Au premier coup d’œil j’ai cru que c’était un grand panier de basket, lol…

Détail…

Les œuvres d’O'Malley, écrit Lizzie Lloyd, « sont remplies de bords qui décrivent, se chevauchent et jouxtent d’autres bords. Leurs points de rencontre accentuent les surfaces polies, piquées, poudrées, sur lesquelles notre regard se pose et glisse. »

Le pavillon du Chili :
Grands panneaux sur fond noir…

Le pavillon Turba Tol Hol-Hol Tol est un projet collectif mené par la conservatrice Camila Marambio qui propose une voie expérimentale vers la conservation et la visibilité des tourbières, un type de zone humide considéré comme l’écosystème naturel le plus efficace pour accumuler du carbone dans l’atmosphère et pourtant l’un des moins étudiés….

Avec force détails et explications, toujours sur tableau noir…

Le pavillon Slovène représenté par les peintures de Marko Jakše né en 1959 à Ljubljana…

Depuis plus de trois décennies, le peintre Marko Jakše, lauréat du prix Prešeren Fund Award 2015, fait sensation avec ses œuvres ingénieuses et imaginatives…

Avec ses motifs figuratifs et paysagers reconnaissables, il crée un univers artistique mystérieux, entremêlant l’onirique et le réel, le lyrique et le narratif, l’archaïque et le moderne…

Il voit son voyage comme une forme de jeu, explorer la spontanéité et rester un enfant éternel…

Des tableaux immenses comme on le constate sur cette « foto » avec ce rideau s’ouvrant sur la sortie de l’espace slovène…

En l’extérieur sur les quais, l’ancienne grue hydraulique de « l’Arsenale », déjà « fotografiée » maintes fois par votre serviteur…
Allez, un peu d’histoire vénitienne :

En 1883, la marine italienne commande la grue à la société Armstrong, Mitchell et Co. dans le cadre d’un plan d’agrandissement et de modernisation de l’Arsenal de Venise.
La grue fonctionne en 1885…
Au début du 20ème siècle, on change son mode de fonctionnement, on remplace la machine à vapeur par un moteur électrique…
La grue reste opérationnelle pendant environ 30 ans, jusqu’à la Première Guerre mondiale, quand elle subit quelques dommages. Mise hors service en 1940 du vérin de levage… La grue continue tout de même à remplir sa fonction à l’aide d’un treuil, endommagé en 1946, mais réparé instantanément…
La grue cesse de fonctionner au cours des années cinquante du siècle dernier…

Plus loin, derrière la grue, les magnifiques « Gaggiandre » et ses arcades, créées par l’architecte et sculpteur Jacopo Sansovino, construites en 1573… Grandes darses couvertes où l’on armait les galères vénitiennes en construction…

À l’intérieur des « Gaggiandre » historiques, l’artiste américaine Wu Tsang née en 1982 dans le Massachusetts présente son installation « Of Whales »  (Des Baleines)…
Wu Tsang se considère comme représentante du mouvement transgenre dans l’art et s’identifie en tant que « transféminine »…

« Son emplacement magnifique le long des arcades ajoute une toile de fond immersive, reflétant l’écran de 16 mètres à la surface de l’eau »…

Malheureusement pas de reflet lors de notre visite dû, en raison de la marée, au léger mouvement des vagues brouillant la surface du bassin…

Bluffé, je croyais admirer une immense peinture mais nous étions devant un écran, il nous fallait lire les explications pour comprendre :

« Réputée pour ses récits marginalisés, ses films documentaires, ses performances en direct et ses installations vidéo, tandis que certaines de ses œuvres ont été exposées dans de nombreux musées et lieux à travers le monde, Wu Tsang crée un film dynamique en temps réel qui cherche à nourrir le public avec une interprétation sensible de la perspective de la baleine. Grâce à l’utilisation d’outils de développement de jeux, « Of Whales » sera exposé en permanence, offrant aux visiteurs une expérience audiovisuelle changeante tout au long de la journée »…

Bien que nous flânions une bonne demi-heure sur ces lieux, l’image ne changea pas…

Éreintés nous visitions le dernier pavillon de la journée, celui de l’Italie, grand bâtiment derrière les « Gaggiandre »…

« History of Night and Destiny of Comets », (Histoire de la nuit et du destin des comètes)…
Pour la première fois, le pavillon italien présente le travail d’un seul artiste, Gian Maria Tosatti, né à Naples en 1980…  

L’installation – dont le sujet central est l’équilibre difficile entre développement et durabilité et entre éthique et profit – nous emmène à travers l’ascension et la chute de l’industrialisation italienne, des années 1960 à nos jours.
Le public déambule dans les ateliers et entrepôts reliés par des escaliers métalliques et les portes en aluminium anodisées…

« Afin de créer l’ensemble de l’œuvre », explique l’artiste, « nous avons visité de nombreuses usines italiennes, qu’elles soient fermées, en faillite ou toujours en activité ; nous avons recueilli les histoires de ceux qui y vivent ou y ont vécu, y compris celles gravées sur les machines avec les empreintes digitales de ceux qui y travaillaient. Nous avons ensuite acheté ces parties d’usines et nous les avons amenées à l’Arsenal »…

Une salle remplie de tuyaux aspirant ou soufflant bruyamment de l’air… Une ambiance très particulière…

Un appartement sombre surplombe et s’ouvre sur une usine textile avec des dizaines de machines à coudre, dans ce qui est peut-être la partie la plus visuellement frappante de l’installation et un symbole de la croissance économique italienne non planifiée du passé…

Fin du dernier reportage illustré sur la 59^ème Biennale d’art de Venise, ouverte jusqu’au 27 novembre 2022.  …
Je passais plus de temps à comprendre et collecter et synthétiser les informations sur les œuvres des artistes qu’à shooter et traiter mes « foto »…

Mission accomplie…

Claudio Boaretto

LA BIENNALE D’ART CONTEMPORAIN DE VENISE, CÔTÉ ARSENALE , 1ère partie

Après le côté « Giardini » de la Biennale d’Art contemporain de Venise, le jour suivant nous attaquons le côté « Arsenale » aussi rempli et intense que les « Giardini »…

Suite aux commentaires reçus précédemment, cette fois, au lieu de vous livrer les explications officielles ex abrupto sur les œuvres, souvent incompréhensibles, frisant parfois même le ridicule, je vais tenter, dans la mesure du possible, une synthèse des explications collectées sur la Toile, rédigées en français, en italien, en anglais ou autres, toutes les nations étant présentes à la Biennale…

Dans l’immense espace de la « Corderie » de l’Arsenal « Brick House » nous accueille, œuvre de Simone Leigh, artiste ayant transformé en case africaine le pavillon d’architecture néo-classique des USA comme nous le constations dans la 1^ère partie des Giardini…

Statue de bronze de près de 5 mètres de haut, dont le corps ressemble à une hutte en terre battue, surmonté d’une tête dont les traits correspondent au visage du sphinx exposé au pavillon des États-Unis…
Je note son manque de regard…

Gabriel Chaile, artiste argentin présente ses œuvres, cinq sculptures-fours mettant en scène, en grand format, des membres de sa famille.
La figure centrale Rosaria Liendro, sa grand-mère maternelle…

Travaux à base de matériaux, de formes et d’archétypes hérités de la civilisation précolombienne, réalisés dans une perspective symbolique à la fois tendre et humoristique…

Ses sculptures caractéristiques dérivent d’une théorie qu’il appelle « la généalogie de la forme » : en s’appuyant sur des objets tels que des pots et des fours en argile qui prennent souvent des traits anthropomorphes. Il invoque la relation des récipients traditionnels argentins à la nourriture, au soutien, la collaboration et les activités…

Souvent j’inclue des visiteurs sur les clichés pour appréhender la taille des œuvres…

« Gwendolyn » sculpture de Niki de Saint Phalle, de son vrai nom Catherine Marie-Agnès de Saint-Phalle, franco-américaine, (1930-2002) plasticienne, peintre, graveuse, sculptrice et réalisatrice de films, elle débute sa carrière professionnelle en tant que mannequin…

« Gwendolyn » appartient à une série d’œuvres qui se nomme Nanas, réalisées en Résine de Polyester et structure métallique puis peintes en couleurs luisantes. Volumineuses, rondes elles possèdent un aspect joyeux…

Si les courbes larges et sinueuses de Gwendolyn n’accentuent pas suffisamment sa grossesse, alors la bulle peinte sur son ventre l’annonce fièrement…

Myrlande Constant, artiste textile haïtienne spécialisée dans les drapeaux vaudou…
En 1990, elle débute sa fabrication de drapeaux de style vaudou, elle influence et modifie cette forme d’art jusqu’alors réservé aux hommes…
De nos jours, elle réalise des tableaux monumentaux dans laquelle elle incorpore des perles…

Elle change radicalement la tradition en utilisant des perles de verre au lieu de paillettes. Après trois décennies consacrées au médium, la méthode et le style de Constant influencent chaque artiste « drapo vodou » travaillant aujourd’hui. Les drapeaux de Constant sont de grande taille, souvent jusqu’à deux mètres de large, tendus sur des cadres en bois… 

Ruth Asawa ; artiste étasunienne née à Norwalk, USA (1926 – 2013)…

Détenue de force en 1942 par le gouvernement américain dans un camp d’internement pendant la Seconde Guerre mondiale aux côtés de sa famille et de milliers d’autres personnes d’origine japonaise, y compris des animateurs de Walt Disney, qui l’aidèrent à apprendre le dessin et la peinture…

Asawa construit des sculptures suspendues, transformant des matériaux industriels de tous les jours…
En 1952, elle réalise « Hanging Eight Separate Cônes », huit cônes tressés et suspendus par un fil. Elle utilise du fil de fer mais aussi du fil de cuivre, de laiton et d’aluminium, galvanisé et oxydé… Des formes sphériques sinueuses et gracieuses, qui, bien que tridimensionnelles en volume, ne contiennent aucun intérieur…

Safia Farhat, artiste tunisienne (1924-2004), dessinatrice, peintre, céramiste mais aussi tapissière et décoratrice…
Après l’indépendance de la Tunisie en 1956, Safia Farhat devient la première femme tunisienne à enseigner à l’Institut supérieur des Beaux-Arts de Tunis, elle en devient même la directrice…

L’instrumentalisation du tissage par Farhat est comprise comme un hommage moderniste à une tradition fondée sur le travail des femmes. Une combinaison de motifs géométriques audacieux, de couleurs vives et de motifs figuratifs tissés à partir de laines teintes et filées à la main…

Mélangeant différentes hauteurs de poils et textures, l’imposante œuvre prend une allure de collage, « représentant un paysage verdoyant parsemé d’un cheval au galop qui semble se précipiter dans un terrain fantastique de formes abstraites »… 
Le paysage verdoyant, d’accord, mais pas vu le cheval ?!…

Emma Talbot, artiste britannique utilisant le dessin, la peinture, l’installation et la sculpture…
Une frise grandiose attire d’emblée le regard comme ce visiteur en arrêt devant l’œuvre…

Les peintures, dessins, animations et sculptures à grande échelle de Talbot incorporent une figuration simplifiée, des motifs mythologiques, des motifs rythmiques, des couleurs vives et des textes calligraphiques pour exprimer des aspects des expériences personnelles et intérieures…

Au passage admirons ce magnifique espace, la Corderie de « l’Arsenale di Venezia », peuplé de colonnes permettant l’exposition de ces œuvres immenses…

Tirant son titre du tableau historique de Paul Gauguin de 1897-1898, peint dans un moment de crise profonde et de prise de conscience existentielle,
« Where do we come from? What are we? Where are we going? – D’où venons-nous? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? »,
Talbot aborde le désir humain d’évasion dans notre présent écologiquement catastrophique…
Ces trois grandes questions philosophiques figurent, sans les points d’interrogation, en haut à gauche de cette splendide frise mesurant 139cm X 375cm…

Ses figures féminines élégamment gainées dans des tissus de soie peints par l’artiste, touchent des thèmes tels que l’origine et le sens de la vie, à l’aide de motifs mythologiques ou de motifs issus de ses réflexions personnelles…

Une femme terrasse un serpent et lève le bras surement en signe de victoire…

Une autre femme de couleur rose semble accoucher, en tenant un serpent qui semble être le cordon ombilical…

Candice Lin, artiste étatsunienne interdisciplinaire travaillant dans l’installation, la sculpture, le dessin, la céramique et la vidéo…

Lin adopte des tactiques d’exposition souvent associées à l’anthropologie et à l’histoire naturelle…

Sorte de laboratoire excentrique de techniques mixtes qui conjugue science et médecine traditionnelle, art et ex-voto, sacré et profane… 

Je ne trouvais pas grand-chose sur la signification précise de ses sculptures…

Libre-cour donc à votre ressenti…

Aage Gaup (1943-2021) artiste Norvégien et Sami, sculpteur, scénographe et militant politique, figure centrale de l’art sàmi… Il travaillait des matériaux tels que le bois, le béton ainsi que l’aluminium et réalisait des éléments abstraits et figuratifs…

« Sculpture I & II (1979) », l’œuvre ressemble à une vague, un nuage, suspendue dans les airs. Une bande bleue peinte en bas, jaune au milieu et orange en haut suggèrent une rivière avec sa rive et peut-être le ciel ou le lever du soleil au-dessus….

 Ali Cherri né en 1976 à Beyrouth au Liban, vit à Paris en France…

Les Titans en terre cuite réalisés par l’artiste libanais évoquent les divinités de la mythologie antique qui racontait l’histoire de ces êtres fantastiques apparus aux origines du monde…

Modelés par l’artiste contemporain à la manière des anciens, les Titans évoquent le début d’un effritement et la menace d’une disparition combattue par la volonté de durer d’un esprit tourné vers l’avenir…

L’artiste indien Prabhakar Pachpute combine le politique, le personnel et le surréaliste… Dans son travail, il explore les questions de l’industrie, de la terre, fortement influencé par ses origines, son éducation et le travail de ses ancêtres dans les mines de Chandrapur…

Pour « Unfolding of the remains II » (Dépliage des restes II) ce tableau de plus de 10 mètres montre une excavation dans laquelle la coque du bateau est visible.
Prabhakar Pachpute s’inspire de la découverte d’un bateau romain dans des mines situées en Serbie. Un paysage désertique s’offre aux yeux des spectateurs ponctués d’animaux symboliques de l’Inde comme l’éléphant et le tigre du Bengale. Des engins d’excavation avec des allures plutôt surréalistes sont présents…

À droite du tableau une sculpture…

« The Underground nest over the dune II 2022 » (Le nid souterrain au-dessus de la dune II 2022) , sculpture mi-cheval mi-scorpion possédant une queue dont l’extrémité est une lanterne, elle peut représenter un fanal de navire ou bien une lampe comme les mineurs utilisaient fréquemment…

L’artiste canadienne Tau Lewis présente l’installation « Divine Giants Tribunal 2021 » (Tribunal des Géants Divins 2021), composée de trois masques… 

Le premier « Angelus Mortem »…

Tau utilise différents tissus, de la fourrure et du cuir, des perles, de la peinture acrylique et des coquillages etc…

« Vena Cava »…

Quelques visiteurs pour appréhender la taille du masque…

Les portraits monumentaux de Tau issus de son environnement font aussi référence au mysticisme et au dramaturge Wole Soyinka qui mit en valeur l’ethnie des Yorubas en Afrique, Wole Soyinka premier écrivain africain à recevoir le prix Nobel de littérature (1986)…

De profil…

Une forme de puissance à la fois passive, mais aussi prête à prendre vie, à se mettre en mouvement…

« Sol Niger »…

Allez, juste pour le plaisir, un court extrait du texte officiel de présentation, véritable exercice de style :

« l’artiste crée des monuments subversifs, rendant hommage aux philosophies de l’ingéniosité matérielle comme geste représentatif des communautés diasporiques. En activant la malléabilité idéologique des textiles et leur association historique avec le travail féminisé, Lewis dissout également l’espace entre les pôles artistiques et politiques, en particulier entre les pratiques traditionnellement définies comme artisanales, rituelles ou artistiques. »

L’art de l’enrobage, pour ne pas dire de l’enfumage, un vrai métier !…

Pour l’échelle, « foto » avec visiteurs…

Tout aussi spectaculaire de profil…

Igshaan Adams artiste Sud-africain…

« Bonteheuwel / Epping » Tapisserie géante, composée de Bois, Bois peint, Plastique, Os, Perles de Verre, Coquillages, Corde en Polyester et Nylon, Corde de Coton, Maillons de Chaînes, Câble d’acier, Ficelle de coton (495 x 1170 cm) 2021…

Les diagonales représentent ce que Adams appelle « les lignes du désir », des chemins non planifiés créés à la suite de l’érosion due à la circulation piétonnière, qui, tout au long de l’ère de l’apartheid, furent utilisés pour relier les communautés que le gouvernement voulait séparer de force…

Lavinia Schulz (1896-1924) et Walter Holdt (1899-1924) artistes et danseurs allemands…
Lavinia Schulz réalisait les costumes avec des objets de récupération…

En avril 1920, elle épouse Walter Holdt, qui devient également son partenaire artistique…
Ils ont rejeté la religion conventionnelle et l’expressionnisme comme une solution complète et ils auraient aimé vivre sans argent… 

Ils vivaient sans lit ni meuble et restaient en collants de danse afin de pouvoir consacrer leurs journées à créer de nouvelles danses et costumes d’accompagnement…

Confrontée à la ruine financière, elle mourut à Hambourg en 1924 quatre jours avant son anniversaire, après avoir abattu son partenaire puis elle-même…

Dans les années 1980, le Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg redécouvre les costumes, ainsi qu’une série de photographies de studio prises par Minya Diez-Dührkoop. Cette découverte révèle que le travail de Schulz était un témoignage significatif de la créativité et de l’art fantastiques de la culture de la danse de l’ère de Weimar…

Teresa Solar née en 1985, à Madrid, Espagne, présente sa nouvelle série « Tunnel Boring Machine 2022 » comprenant trois grandes sculptures…

Inspirées d’animaux et de formes de vie préhistoriques rappelant des branchies de poisson, des nageoires de dauphin, des becs, des lames et des rames…

Suspendues entre le biologique et le produit industriel, le tangible et le mythique, ses œuvres de sculpture présentent un monde hybride infléchi par la fiction et le conte…

En résine et argile traitées avec une finition polie, colorées et élancées, pleines de douceur, en rondeurs et courbes …

Le portrait d’Allison Katz, artiste canadienne, s’inspire à la fois du Petit Chaperon rouge mais aussi du film d’horreur Don’t Look Now. Film qui raconte l’histoire de Laura et John Baxter. John doit restaurer une église à Venise. Le couple qui a perdu leur fille dans une mort accidentelle, se rend donc à Venise. Il fait la connaissance de deux sœurs, dont l’une prétend être clairvoyante. C’est à dire qu’elle prétend que leur fille essaie de les contacter. John Baxter n’y croit absolument pas puis peu à peu change d’avis…

Tetsumi Kudo (1935-1990) Japon, figure essentielle du développement de l’Anti-Art » dans les années 1950 à Tokyo …
Après avoir déménagé à Paris en 1962, Kudo crée des œuvres guidées par son sentiment que, dans une « nouvelle écologie » où l’homme, la nature et la technologie s’entremêlaient, les valeurs éthiques étaient aussi échangeables que les biens de consommation…

Son œuvre « Flowers from Garden of the Metamorphosis in the Space Capsule » (Fleurs du Jardin de la Métamorphose dans la Capsule Spatiale) met en scène des fleurs artificielles baignées dans une lumière fluorescente pour créer une aura étrangement high-tech…

Jes Fan, né à Scarborough, au Canada, mais grandi à Hong Kong, vit à New York et Hong Kong.

Globules de verre soufflés à la bouche injectés de mélanine, de moisissure noire, de capsules remplies de soja, de savon chargé de testostérone, de cosmétiques riches en œstrogènes et de l’urine de sa propre mère…

La présentation officielle ne m’aide pas et je peine à comprendre la finalité de l’œuvre :

« à travers ces matériaux évocateurs, Jes Fan propose un moyen critique d’explorer les propriétés qu’il décrit à la fois politiquement contestées et totalement absurdes. Conçue comme une accumulation des thèmes et des formes qui ont caractérisé son travail précédent à ce jour, la nouvelle sculpture de Fan aborde les glandes et l’intériorité de la vie à travers une approche animiste des objets et une exploration sculpturale de l’enchevêtrement du corps avec la technologie. »

Raphaela Vogel, artiste allemande, utilise de multiples disciplines comme la vidéo, le son, les installations, la sculpture et la peinture…
Elle présente un pénis dans un modèle anatomique coloré à grande échelle, affligé en détail caricatural de nombreuses maladies et affections – cancer de la prostate et des testicules, verrues génitales, dysfonction érectile – comme indiqué dans une série de planches explicatives…
L’humour et le fantastique sont fortement liés dans cette œuvre…

En créant ses mondes obscurs et énigmatiques, les environnements de Vogel suggèrent des mythes, des reliques et des sacrifices rituels, tirés à la fois de l’histoire de l’art, de la littérature et de l’imagination du spectateur.
Tirée sur un traineau, la sculpture maladive est menée effrontément par une flotte de girafes blanches, comme s’il s’agissait d’un aristocrate ou d’un membre d’une famille royale imaginaire…

À bientôt pour la 2^nd partie côté Arsenale et ultime reportage sur la 59^ème Biennale d’Art de Venise…

Claudio Boaretto

LE PAVILLON CENTRAL DE LA BIENNALE D’ART DE VENISE

Au milieu des Giardini trône le Pavillon Central de la Biennale…
Je ne l’incluais pas dans mes deux billets illustrés précédents car, vu son si vaste espace, il méritait un billet à lui seul…
Malheureusement nous le visitions en fin de journée, fatigués et fourbus par les déambulations sous un soleil torride dans les différents pavillons nationaux…
De plus, un brin saturés par l’accumulation de œuvres exposées, nous visitions à la vitesse grand V cet énorme pavillon nous perdant dans le labyrinthe de ses nombreuses salles si bien que nous rations plusieurs endroits d’expo…

Devant l’entrée, présenté comme une œuvre, un bateau noir surmonté de deux dauphins…
Pas compris le message ou le symbole, bateau très commun appelé « Cinque » car il mesure cinq mètres de long, couramment utilisé sur la lagune par les vénitiens, en général de couleur blanche…

Dans la majestueuse entrée du pavillon, d’emblée un éléphant s’offre à nos yeux, entouré de miroir le reflétant sous plusieurs angles, grandeur nature et saisissant de réalisme, …

Cette sculpture de Katharina Fritsch, coulée en polyester vert foncé reproduit les textures et les plis du corps du mammifère avec une exactitude surprenante… Sa taille, la clarté des détails anatomiques et le profil de couleur prennent un effet particulier…

« Ses sculptures, souvent moulées à la main, moulées en polyester et finies avec une peinture mate, conservent un naturalisme formel rendu étrange par l’absorption de la lumière par la peinture, qui donne à la surface une qualité mystifiante.  « Éléphant » prend les vestiges de fables de grandeur, d’intellect, de captivité et de sociétés matriarcales – le cœur des structures familiales des éléphants. » 

Même à Venise, l’iconographie des éléphants occupe une place importante : dans les années 1890, juste avant le début de l’histoire de la Biennale, un éléphant nommé « Toni » vivait dans le parc et était connu comme « le prisonnier des Giardini…

Les sculptures d’Andra Ursuta, artiste roumaine…

Ses sculptures, souvent réalisées à partir de moulages de son propre corps, représente des êtres hybrides…

Sur cette « foto », j’aurais dû me décaler pour ne pas que l’arrière-plan vienne perturber le profil du portrait en buste…
Signe de fatigue en fin de journée…

« le travail d’Ursuţa met l’accent sur la vulnérabilité de la forme humaine et la complexité du désir. Ces dernières années, Ursuţa a commencé à fusionner des moulages directs de son corps avec des objets du quotidien récupérés et des accessoires, combinant le moulage traditionnel à la cire perdue avec la numérisation et l’impression 3D. »

« Encapsulés dans des contours de cristal colorés, les motifs tourbillonnants et les surfaces texturées façonnées par son processus révèlent une collision de formes organiques et inorganiques. » 

« La femme allongée qui se prélasse manque à la fois de membres et développe des appendices inhabituels, tels qu’une paire de pantoufles tentaculaires inspirées de l’extraterrestre de Predator. »

« Vanshree, Devi, Rudra »…
Sculptures de deux mètres de haut, en fibre de chanvre de Mrinalini Mukherjee, artiste indienne…

« Mukherjee a expérimenté intuitivement l’ancienne technique arabe de tissage à la main du macramé, qu’elle a utilisée tout au long de sa vie, créant des sculptures douces de plus en plus audacieuses et monumentales, qui se dressent comme des divinités. »

« Vanshree »

« Un processus artisanal qui impliquait d’acquérir et de trier de lourds paquets de cordes achetées sur les marchés de New Delhi »

« Rudra »

« Les sculptures massives de Mukherjee prennent les caractéristiques du vivant : teintées d’oranges, de jaunes et de violets végétaux, des œuvres voluptueuses projettent la sensualité humaine, avec des plis et des renflements ressemblant étroitement à des organes sexuels. »

« Devi »

Pas trouvé le nom de l’artiste ou de l’œuvre…
Un message féministe je suppose mais qui ne témoigne pas d’un talent artistique remarquable contrairement aux trois œuvres précédentes…

Grands tableaux abstraits de Jadé Fadojutimi, artiste britannique…

« Jadé Fadojutimi a développé une obsession pour la culture populaire japonaise. Aujourd’hui, elle peint souvent sur des bandes sonores de jeux vidéo ou de dessins animés japonais. Les moments de nostalgie vécus par Fadojutimi en peignant – qui sont également suscités par des souvenirs de son enfance, ou encore les vêtements de sa garde-robe – s’infiltrent dans les toiles à travers des gestes explosifs et une utilisation vive de la couleur. »

« Commencer chaque peinture avec une attitude proche du shoshin, le concept japonais de « l’esprit du débutant », Fadojutimi permet aux objets familiers qui peuplent la réalité pour échapper à la reconnaissance et affirmer leur transcendance, qualités métaphysiques.
Ayant récemment déménagé dans un studio avec des plafonds de six mètres, Fadojutimi est capable de peindre à une échelle qu’elle n’aurait pu qu’imaginer auparavant. » 

« Fly Eternity », peinture de Jana Euler, artiste allemande

«Fly Moment » 

« Des mouches – l’une, Fly (eternity) (2021), un spécimen vieux de 500 ans conservé dans l’ambre, l’autre, Fly (moment)(2021), vivant et capturé en macro photographie en gros plan extrême. Mettant en scène une rencontre impossible entre les morts et les vivants, les grands et les petits, les volants et les marins, Euler, à nouveau, rend le familier énigmatique. »

Pour ceux qui sont des marins, les voici :

« Euler place sur un socle 111 sculptures de requins en céramique, dont la taille réduite fait contrepoint aux proportions épiques de l’animal »

« La gueule grande ouverte, prêt à nous avaler, leur nombre enlevant tout espoir de leur échapper »…

« Le travail de Jana Euler oscille entre vanités stylistiques, trafic de représentations grotesques, monstrueuses, déformées, érotisées et souvent rebutantes de personnages, humains ou non. » 

Les œuvres de Paola Rego, artiste portugaise de 87 ans…

« Le travail figuratif sans compromis de Paola Rego oblige les spectateurs à une confrontation directe avec les relations humaines et les dynamiques de pouvoir social, sexuel et émotionnel qui les définissent souvent. 

« Utilisant des stratégies de parodie, de théâtralité et de narration, les scènes domestiques formellement complexes et psychologiquement chargées de Rego, qui peuvent être aussi tendres qu’angoissantes, centrent les expériences des femmes dans un monde façonné par les conflits. » 

« Profondément affectée par sa jeunesse au Portugal sous la dictature du Premier ministre António de Oliveira Salazar, elle aborde l’oppression et la violence institutionnelle envers les femmes sous la tyrannie politique » 

« Dans son œuvre mature des années 1990 et 2000, Rego mêle les références aux contes de fées portugais, aux princesses Disney et à la satire mordante de Francisco Goya et Honoré Daumier »

« Avec des images rappelant des histoires difficiles de séduction, de viol et d’infanticide. »

« Des images du totalitarisme et de la violence institutionnalisée envers les femmes, de la méchanceté des mères, de la peur et de la souffrance des enfants victimes de cette folie collective engendrée par le désespoir. »

« Iris Paintings » de Ulla Wiggen, artiste suédoise…

« Dans ses Iris Paintings l’artiste présente des iris humains laborieusement peints en bleus, verts, noisettes sur des panneaux ronds, un processus qui peut prendre plusieurs mois par pièce.
Citant le flou de sa vision dû aux cataractes avant le traitement, l’artiste a déclaré qu’elle voulait exprimer visuellement cet état liminal, entre clarté et ambiguïté, entre conscience et sommeil. »

Œuvre de Laura Grisi

« Évitant les étiquettes qui la regroupaient tour à tour avec le minimalisme américain ou l’arte povera italien, la pratique artistique de Laura Grisi, à partir des années 1960, enregistre l’effet dramatique des phénomènes naturels, captant leurs qualités dans des objets ou des décors technologiques qui offrent une image singulière et perspicace du progrès. » 

Détails…

« Assedio Rosso n°3 » de Carla Accardi (1924-2014) Italie…

« Les tableaux de cette artiste italienne manifestent ses tendances artistiques abstraites et son militantisme marxiste et féministe durant les années qui suivirent la Seconde Guerre mondiale. »

 

« Omega:) » de Jacqueline Humphries, artiste américaine…

« L’artiste américaine Jacqueline Humphries est devenue peintre à New York dans les années 1980.
Beaucoup de ses pairs considéraient la peinture, comme le dit l’adage, comme «morte» ; peindre, comme Humphries elle-même l’a dit, était un «suicide artistique».
Malgré l’orthodoxie théorique de ce moment, pendant plus de trois décennies, Humphries, aux côtés d’une cohorte d’artistes dont Charline von Heyl, Jutta Koether, Laura Owens et Amy Sillman, a néanmoins bouleversé les traditions de l’abstraction picturale »

Dans la même salle comme des morceaux de membres humains en tissu, comme des polochons…

Sans connaitre l’artiste ni sa démarche, le talent artistique ne me semble pas probant et l’œuvre ne m’émeut guère…

D’autres œuvres dont nous ne trouvons pas l’origine ornent les murs du pavillon Central…
Je vous en livre quatre qui semblent être du même auteur, telles que les découvre le visiteur lambda…

 

 

 

Avant de terminer ce billet je ne pouvais manquer cette installation accrochée en l’air, sur le mur extérieur côté droit de l’entrée du Pavillon Central…
Une bétonneuse comme habitée par un bernard-l’hermite géant…
J’adore…

Claudio Boaretto

LA BIENNALE D’ART CONTEMPORAIN DE VENISE, CÔTÉ GIARDINI, 2nd partie

Seconde partie…

Le pavillon Hongrois…

Entrée impressionnante…

De belles mosaïques spectaculaires comme des morceaux de corps qui interpellent et interrogent…

Des chaines relient les uns avec les autres comme un réseau d’échanges…

Cherchons les explications :

« Zsófia Keresztes présente au Pavillon Hongrois sa nouvelle installation multi-sculptures créée spécialement pour la Biennale d’Arte 2022. »

« Son travail est dédié aux étapes de la recherche identitaire. Son concept remonte au dilemme du porc-épic de Schopenhauer. La métaphore souvent utilisée par le philosophe et plus tard par Freud et par les représentants de la psychologie moderne est destinée à donner une idée de la nature de l’intimité. » 

« L’homme, en tant que créature sociale, n’est pas capable de vivre seul, par conséquent il cherche continuellement d’autres avec qui il peut partager ses pensées, ses sentiments et son amour. »

« Libérés dans la réflexion mutuelle des fardeaux des expériences communes et individuelles, les fragments du corps mutuellement référencés – séparés mais existant en tant que communauté – tentent d’atteindre leur forme finale. »

Au fait, si vous ne connaissez pas la parabole du Porc épic, je vous la livre :

« Par une froide journée d’hiver un troupeau de porcs-épics s’était mis en groupe serré pour se garantir mutuellement contre la gelée par leur propre chaleur. Mais tout aussitôt ils ressentirent les atteintes de leurs piquants, ce qui les fit s’écarter les uns des autres. Quand le besoin de se réchauffer les eut rapprochés de nouveau, le même inconvénient se renouvela, de sorte qu’ils étaient ballottés de çà et de là entre les deux maux jusqu’à ce qu’ils eussent fini par trouver une distance moyenne qui leur rendît la situation supportable. »

On comprend mieux par la référence la démarche de l’artiste…
Joli trip que ce pavillon Hongrois…

Le pavillon des Pays Bas, loué à l’Estonie…

« Kristina Norman et Bita Razavi, présentent Orchidelirium, une exposition qui comprend des installations, des films, des photographies, des archives et des performances, reliant le passé au présent, le tout à travers le prisme de la botanique coloniale et de ses ramifications sociopolitiques. »

Je n’ai pas regardé les films, juste l’installation :

« L’artiste Razavi utilise les déplacements de la lumière dans une installation in situ et vitrine. Une sculpture cinétique évoque un kratt, une créature magique asservie de la mythologie estonienne, produisant des dessins botaniques sur commande pour ceux qui en acceptent les conséquences. »

On aperçoit les dessins botaniques qui se meuvent sur cette machine…

Le pavillon d’Israël…

Ha, le gus qui se reflète sur les vitres en « fotografiant », c’est ma pomme, pour une fois que je « m’autoportraitise » à l’insu de mon plein grès…

« Queendom », des photomontages de Ilit Azoulay…

Pour comprendre, mode d’emploi :

« Le Queendom, régné par l’art, semble être né d’un crash total du système. C’est un domaine « rhizomatic », où les histoires fusionnent. Panoramic Photomontages, basé sur les archives de l’historien de l’art David Storm Rice (1913-1962), présente une symphonie de fracture et de guérison, tandis qu’une œuvre audio remplit la salle de sons d’un langage universel. Azoulay utilise l’artisanat numérique pour visualiser l’au-delà des images et leurs transformations, accentuant les histoires d’appropriation et les chaînons manquants dans leurs géographies du savoir. »

Heu, vous avez tout compris ?… Moi, je m’interroge encore…

Le pavillon brésilien…

Deux immenses oreilles placées à l’entrée et à la sortie du Pavillon font allusion à l’expression populaire « d’entrer par une oreille et de sortir par l’autre »…

« Jeu de Corps » …
« « Jeu de Corps » titre de cette exposition des œuvres de Jonathas de Andrade fondant son travail sur son profond intérêt pour une culture authentiquement « populaire ». 

Un visage mi-femme, mi-homme…
« un visage recomposé en dehors de vous et qui ne vous appartient plus. »

« Des jeux de corps, qui crient la douleur, le désespoir, la violence subie depuis des décennies par le peuple Brésilien. »

« Leur cœur est détaché d’eux, hypertrophié, porté par des mains aux doigts enchaînés. »

Un œil prêt à se faire crever par la pointe d’une paire de ciseaux…

Des corps fragmentés…

 

Découpés, recollés, superposés de manière à nous montrer l’absurde, la démesure et l’inaptitude des Brésiliens à gérer leur vie quotidienne, à décider de leur avenir, de leur vie…

 

Le pavillon polonais…

« Re-enchanting the World » de Małgorzata Mirga-Tas, la première artiste d’origine ROM, appelée à représenter son pays.

« Un choix qui, défiant de nombreux préjugés et stéréotypes, présente une image précise et sans préjugés de la communauté rom et attire l’attention sur le rôle que les femmes ont joué dans l’histoire des Roms. »

Des visiteurs épuisés se reposent au milieu de la salle…

« Ses collages grand format utilisent souvent des pièces de la garde-robe des sujets représentés : des fragments de jupes, de foulards ou de chemises, qui deviennent littéralement porteurs d’histoire »

« Les tableaux de Malgorzata Mirga-Tas sont divisés chacun en trois sections horizontales.
La section supérieure représente les pérégrinations des Roumains à travers l’Europe.
La section centrale est une représentation de l’histoire de la Roumanie selon une perspective féminine.
La troisième section, inférieure, montre des scènes de la vie quotidienne contemporaine de l’artiste dans son village en Pologne et dans d’autres endroits polonais qui lui sont chers. »

le pavillon de Venise…

« Tout change, rien ne meurt, tout coule et toute image naît du mouvement. » cette phrase peut être considéré comme le mantra de l’exposition du Pavillon de Venise, intitulée  « Alloro » (Laurier) par Paolo Fantin

« Alloro est un voyage qui affronte le changement, la métamorphose, à travers la nature et l’art, qui commence dans la psyché… »

Illustré, je suppose, par ces miroirs colorés en verre de Murano…

 

« Alloro » fait référence aux Métamorphoses d’Ovide, où Daphné ne peut échapper à la quête amoureuse d’Apollon qu’en se métamorphosant en laurier…

En pénétrant dans cette salle, le réalisme de l’œuvre nous saisit…

« L’œuvre exposée est une métamorphose qui commence dans l’âme méditative d’une femme assise dans un lieu immaculé et aseptisé, aboutissant à son enracinement dans la terre originelle. »

Prodigieux…

La salle suivante, la métamorphose…

La troisième salle, Daphnée en Laurier…

Superbe enchainement que ces œuvres impressionnantes…

Pavillon de la Serbie…

« Marcher avec l’eau »…
Un immense écran de plusieurs dizaines de mètres de longueur qui pourrait représenter un lac ou une mer ou un océan… L’amorce des silhouettes des visiteurs en bas à droite donne la proportion. Les vagues bougent comme si vous étiez au bord de l’eau…

« Vous entrez dans une relation médiatisée par la technologie que l’artiste inverse. La présentation met l’accent sur les relations avec la technologie et la nature – dans ce cas, l’eau en tant que partie de notre corps, mais aussi l’eau en tant que point de connexion plutôt qu’en tant que séparation. » 

Perso, cela m’arrache un sourire, pour un vénitien quotidiennement entourée par la Lagune et l’Adriatique l’eau demeure un spectacle permanent qui se passe d’écran…

Pavillon de l’Autriche…
Titre de l’exposition « Invitation of the Soft Machine and Her Angry Body Parts » par les deux artistes transgenres Jakob Lena Knebl et Ashley Hans Scheirl…

L’installation d’Ashley Hans Scheirl est un autoportrait, fallait le savoir :

« La main peinte de l’artiste tient un rideau de velours rouge. Derrière le rideau, comme dans l’avant-scène d’un théâtre, s’échelonnent des scénarios en deux dimensions, qui forment en même temps les strates de ce tableau d’ouverture. 
Deux yeux apparaissent du seuil, l’un plus grand que l’autre, avec une expression ambivalente, nous fixant du mur du fond. Au-dessus des yeux se trouve une coiffure de Vénus aux longs cheveux blancs à partir de laquelle un tube surdimensionné est suspendu dans la pièce. 
Il éjacule dans la pièce un « liquide » jaunâtre transparent qui a formé une flaque sous l’arche d’une coiffure aux cheveux longs. »

« Une scénographie surréaliste, qui nous apparaît à la fois utopique et dystopique, se dresse devant un paysage de science-fiction. »

« Des décors d’installation dans lesquels s’épanouit tout leur univers artistique : peintures, sculptures, photographies, œuvres textiles, écriture, voire une collection de mode… »

Les sculptures…

« Un rôle central est joué ici par l’identité et ses possibilités de transformation »

« Encadrées par un échafaudage en acier inspiré de l’architecture du Centre Pompidou, des sculptures hybrides en céramique, cuir, fibre de verre, tissu et acier défient la frontière arbitraire entre art et design et partagent l’espace d’exposition avec le public. » 

 

Le pavillon du Danemark…

Un univers dystopique de Uffe Isolotto, très impressionnant !…

« Sur le modèle d’une ferme traditionnelle danoise, l’artiste a disséminé dans et autour du bâtiment des tas de fumier, suspendu au plafond et fixé, autour des ouvertures, des portes en métal teinté et repeint intégralement les murs dans des teintes terreuses et violacées qui semblent usées par le passage du temps.
Au sein de ce décor, un spectacle macabre attend le visiteur dans la salle de gauche : un centaure hyperréaliste, pendu au plafond par le cou. »

Dans l’espace d’en face, la sculpture d’une centauresse morte allongée sur le sol…

Saisissante installation !
Un choc, l’impression de voir vraiment un cheval mort surmonté d’un buste humain de femme…

« À cette scène de mort, semble répondre par la vie tout juste accouchée de son ventre, celle d’un nouvel être hybride encore englué dans son placenta bleuté… »

« l’emploi dans les sculptures, de la taxidermie, avec de vraies peaux de chevaux, mêlée au silicone imitant des bustes humains, la présence au sol d’objets repoussants, entre organes, fruits pourris et excréments ainsi que l’intégration d’éléments de mobilier métalliques, rebuts d’une ère contemporaine qui semblent trouver leur place dans cette fable inquiétante et uchronique.
L’artiste décrit lui-même son exposition comme un “théâtre obsédant de la vie et de la mort”, dont les images marqueront sans nul doute l’esprit de ceux qui l’auront traversée. »

Claudio Boaretto

LA BIENNALE D’ART CONTEMPORAIN DE VENISE, CÔTÉ GIARDINI, 1ère partie

Lors de notre court séjour à Venise, nous ne pouvions manquer de visiter la Biennale d’Art Contemporain…

Deux endroits majeurs de cette exposition internationale :
Les « Giardini » (jardins) et « l’Arsenale »…

Rien que dans les Giardini une trentaine de pays présentent dans leur pavillon respectif les dernières œuvres de leurs artistes nationaux, certaines de ces œuvres, sculptures, peintures, installations et performances étant réalisées spécialement pour la biennale devenue depuis plus d’un siècle le rendez-vous incontournable des artistes contemporains du monde entier…

Dans ce billet illustré nous ne verrons que quelques pavillons nationaux, ceux dont les œuvres nous touchent, interpellent, ou parfois nous agacent…
Comme d’habitude nous avons évité les pavillons ne montrant que des vidéos, mais comme j’ai quand-même sélectionné plus de 120 « foto » nous publierons ce billet illustré en deux parties pour ne pas lasser le visiteur du blog…

Première partie…

le pavillons Suisse…

En extérieur nous découvrons des installations représentant des feux de bois éteints et partiellement brûlés…

 

Une masse tressée de fines lamelles de bois semblant aussi partiellement brûlée…

Confrontés à ces œuvres apparemment absconses, la recherche d’explications devient indispensable…
Mais souvent nous nous heurtons à des textes alambiqués, allégoriques, parfois pompeux et flagorneurs…
Difficile de faire le tri…

« Cette année, la Fondation suisse pour la culture Pro Helvetia a confié le pavillon suisse à l’artiste Latifa Echakhch…
Son installation montre des scènes liées au cycle de la vie comme des feux rituels, qui existent dans toutes les cultures. Ces sculptures aux contours populaires – marquées par l’éphémère – entrent en dialogue avec l’espace et le temps » 

« Elle a choisi le Sechseläuten de Zurich, où l’on brûle le « Böögg » à la fin de l’hiver, un moment qui représente la fin mais aussi un nouveau départ »
Sorte de feux de la Saint-Jean si je comprends bien…

À l’intérieur, dans un grand espace obscur, une tête tombée sur un parterre brûlé…
Présence d’une visiteuse pour donner les proportions…

Des mains, plus colorées grâce aux jeux de lumière…

Ou des bustes gigantesques, surement destinés à d’éventuelles crémations…

Le pavillon du Venezuela…

Des murs où s’exposent des tableaux aux peintures naïves et très colorées…

« Le Venezuela expose la notion de « corps » comme expression de la multidimensionnalité à travers son art. Avec le charme de l’image, la force de la vérité et l’allégorie de l’humble maison, la République bolivarienne du Venezuela présente sa proposition : Terre, Pays, Maison, Corps, des dimensions qui éveillent des émotions et des réflexions universelles. »

Perso, j’ai shooté car interpellé par les couleurs « Bolivariennes »…

Le pavillon Russe fermé…
En février plusieurs membres de l’équipe russe se retiraient du projet et déclaraient sur les réseaux sociaux qu’il n’y avait « pas de place pour l’art lorsque des civils meurent sous le feu des missiles, lorsque des citoyens ukrainiens se cachent dans des abris, lorsque des manifestants russes se font réduire au silence ».
Bravo à ces artiste russes !…

Le pavillon du Japon…

Au milieu d’une immense et sombre pièce où l’on entend des voix, un grand panneau vitré laissant apercevoir l’espace en dessous, espace sans grand intérêt…

« le centre de la pièce est un espace vide – un lieu qui n’existe nulle part, mais en même temps un endroit qui pourrait être n’importe où. Nous vivons à une époque de post-vérité et d’espaces liminaux. Le centre est vide. »

Le pavillons de la Corée… (du Sud, évidemment)…

Le musicien de formation Yunchul Kim a mis au point une sorte de dragon articulé de 50 mètres de long aux écailles constituées de silicone à reflets multicolores…

L’explication :

« L’exposition explore le monde comme un labyrinthe, où il y a à la fois du mouvement dans l’immobilité et de l’immobilité en mouvement » (formule fumeuse) embrassant des objets non humains et la réalité matérielle. Basé sur la recherche transdisciplinaire de Yunchul Kim sur la littérature, la mythologie, la philosophie et la science, il crée un univers au sein du pavillon coréen, où ses installations pataphysiques se métamorphosent continuellement et sont affectées par les événements cosmiques, l’atmosphère, la lumière et la nature. »

Le mouvement est généré par un algorithme en relation avec cette autre sculpture dotée d’un système composé de nombreux tubes de verre qui clignotent dès qu’il détecte des « particules subatomiques » et envoie aussitôt le signal qui déclenchera le mouvement du gros serpent…

Le pavillon de l’Allemagne…

Des salles vides aux murs blancs dont certaines surfaces laissent apparaitre les briques derrière le plâtre gratté…
De quoi rester pantois comme cette visiteuse…

Au centre de la plus grande salle une tranchée révélant les fondations du pavillon…

Aucune explication dans le pavillon, il me faut les glaner sur le Web…

« Dans son projet, l’artiste Maria Eichhorn se concentre sur l’histoire du pavillon allemand et sa transformation architecturale. Construit en 1909, le pavillon bavarois a été rebaptisé pavillon allemand en 1912 et redessiné en 1938 dans le but de refléter les canons esthétiques fascistes. Une nouvelle façade, des agrandissements ultérieurs et la surélévation du toit ont contribué à son aspect imposant. Malgré quelques modifications architecturales apportées après la guerre, le bâtiment est encore marqué par le langage formel de l’époque fasciste. Maria Eichhorn met en lumière les traces du pavillon d’origine, cachées derrière le remaniement de 1938. »

L’intention est de mettre en évidence les transformations du bâtiment mais le public n’étant ni archéologue, ni architecte, ne peut comprendre seul ce qui a été modifié en regardant simplement les murs à l’enduit gratté ou les tranchées dans le sol pour faire apparaitre les fondations anciennes…

 

Le pavillon du Canada…

4 grandes « fotografies » occupent les murs du pavillon…

Là au moins nous avons une explication…

Je vous mets une seconde « foto » même si je n’aime pas « fotografier » des « foto », une sorte de non-sens…

Pavillon de la Grande Bretagne…

« Réunies par l’artiste, Jacqui Dankworth, Poppy Ajudha, Tanita Tikaram et Sofia Jernberg interagissent de manière ludique en improvisant avec leurs voix.
Assis sur des tabourets dorés, le spectateur assiste à cette jam session où la voix est la seule protagoniste. Les filtres chromatiques qui colorient chaque écran dissipent les préjugés occidentaux sur « l’autre », »

Papiers peins reproduisant motifs géométriques et visages féminins à l’infini, et blocs dorés, sortes de lingots bruts servant de tabourets…

« Tandis que les figures géométriques du papier peint qui recouvre les cinq salles renvoient à Lygia Clark, l’une des grandes sources d’inspiration de Boyce. Cette artiste brésilienne exprimait, à travers ses motifs abstraits, la perspective optimiste d’un futur d’égalité sociale. »

Personnellement avec le brouhaha des visiteurs je n’ai perçu que des « bruits »,  et puis les écrans dans les expos, j’ai depuis longtemps perdu la patience…

Le pavillon français…

Des décors de cinéma des années 1960 – 1970, décors qui me parlent tout à fait comme ce salon où s’asseyent les visiteurs comme s’ils étaient chez eux…

On remarque les caméras à l’ancienne sur les trépieds en bois…

Dans un angle batterie, ampli et guitares d’époque où un groupe se produit de temps en temps… Malheureusement nous ne passions pas au bon moment…

Et l‘incontournable bar en bois d’antan…
Waouh, j’adore le pavillon français…

Recherche d’infos :

« Zineb Sedira, artiste franco-algérienne vivant maintenant à Londres nourrit depuis l’enfance une passion pour le septième art (son père l’emmenait découvrir des péplums et des westerns spaghettis au cinéma de Gennevilliers), elle s’intéresse aux notions d’altérité, de solidarité et d’hospitalité, autant de valeurs cardinales qui traversent son projet pour le pavillon français. Dans Les rêves n’ont pas de titre (2022), Zineb Sedira met en avant les liens qui unissent l’histoire de trois centres de l’avant-garde cinématographique des années 60-70 à Venise, Alger et Paris, d’où sont nées de nombreuses et fructueuses coproductions. »

Des clins d’œil aux films tournés à cette époque comme expliqué ci-après :

« Zineb Sedira reconnaît en effet avoir « toujours estimé qu’il fallait retourner vers le passé pour mieux comprendre le présent, mais aussi le futur ». Certains des films intégrés à la création sont des références, comme La bataille d’Alger de Gillo Pontecorvo, sorti en 1966. D’autres sont méconnus du grand public, à l’instar des Mains libres du réalisateur italien Ennio Lorenzini, tourné entre 1964 et 1965. Ce premier long métrage en couleurs algérien, réputé perdu, ressort grâce à Zineb Sedira de cartons romains et prend place dans le Pavillon français. »

Le secrétaire ou bureau…

Posé dessus le mythique électrophone ou « tourne-disque » et ses 33 tours d’alors…

Le porte-manteau et ses chapeaux, trop chouette !…

Presque le même la maison, la preuve :

Les valises et la machine à écrire portative de l’époque…

Le stockage des anciennes bobines de films…

Et leur table de montage…
Excellent le pavillon français…

Le pavillon Nordique (Suède Norvège et Finlande) rebaptisé « Pavillon Sámi », dans un geste de reconnaissance de la part de trois nations que de nombreux Sámis considèrent comme leurs colonisateurs…

« Les Sámis, peuple autochtone de l’Arctique, sont pour la première fois représentés à travers les œuvres de trois de leurs artistes ce qui constitue une déclaration politique forte et inédite. »

« Les Sámis sont dispersés dans le nord de la Finlande, de la Norvège, de la Suède et de la péninsule de Kola, en Russie. Dans le courant du 19e et du 20e siècle, les gouvernements de ces pays ont supprimé leurs langues et les ont poussés à l’assimilation culturelle, détruisant une partie des forêts où ils vivaient et chassaient et ouvrant leurs terres à la colonisation »

L’artiste sàmi  Anders Sunna. expose une série de peintures représentant les moments cruciaux de la bataille juridique de sa famille contre l’État suédois…

Ses œuvres relatent également les violences et l’oppression suédoise contre le peuple Sami…
Le parallèle devient évident avec les peuples Amérindiens d’Amérique du Nord…
Nous, les blancs, sommes quand-même souvent des enfoirés…

« Máret Ánne Sara, l’une des trois artistes sámi dont le travail est exposé, décrit son art comme « une protestation et un symbole ». Elle est également journaliste et réalise de nombreux reportages sur les peuples autochtones dans le monde. En 2016, son frère a porté plainte contre le gouvernement norvégien pour le massacre d’une partie de son troupeau. »

Ses œuvres sont des sculptures contemporaines inspirées de l’art sámi , certaines en peau de rennes…

 

On dirait un oiseau ?…

Ne me demandez pas la matière dont se compose certaines sculptures ou installations, pas d’explication, donc je l’ignore…

Le pavillon de l’Espagne…

Une surprise nous attend…
Plusieurs salles vides, aux murs blancs !

Plus abscons que cela, tu meurs… L’explication :

« Le point de départ de l’exposition est un acte apparemment simple : redresser le Pavillon. Situé dans un coin des Giardini, près de l’entrée, le bâtiment est légèrement incliné par rapport à ses voisins belge et hollandais. La proposition de l’artiste espagnol Ignasi Aballí tente de résoudre le problème en reproduisant le bâtiment avec de nouveaux murs intérieurs à un angle de 10 degrés, l’inclinaison nécessaire pour aligner le bâtiment avec les voisins. L’intervention bouleverse la mémoire spatiale et modifie l’espace d’exposition, sa localisation au sein de la Biennale d’Art et son rapport à la ville de Venise. »

Heu, trop compliqué car outre que nous n’avons pas la mémoire de « Comment c’était avant » les visiteurs lambda, comme moi, ne se rendent compte de rien, que de salles incompréhensiblement vides…

Le pavillon Belge…

Que des vidéos, nous ressortons aussitôt…

Le pavillon des États-Unis d’Amérique…

« L’artiste Simone Leigh a transformé en case africaine le pavillon d’architecture néo-classique des USA, la plus belle réussite artistique de la Biennale dans les « Giardini ».
Elle a reçu le Lion d’or de la Biennale d’art 2022. »

Simone Leigh première femme noire à représenter son pays à la Biennale de Venise -

L’entrée du pavillon surveillée par une gigantesque figure en bronze « Satellite » rappelant les masques traditionnels en forme de buste de femme…

« Caractérisé par un intérêt pour la performativité et l’affect, le vaste corpus d’œuvres de Simone Leigh en sculpture, vidéo et performance analyse la construction de la subjectivité de la femme noire. » 

« Last Garment »…

« À l’intérieur, la sculpture hyperréaliste « Last Garment », figure en bronze d’une femme lavant du linge les pieds dans un plan d’eau, est la première œuvre que l’on rencontre. Elle s’inspire de la photographie d’une blanchisseuse en plein effort (« Mammy’s last Garment » de C.H. Graves) prise en Jamaïque à la fin du XIXe siècle et utilisée pour promouvoir le tourisme dans les Antilles anglophones en suggérant qu’elles étaient peuplées de personnes propres et serviables. Une image jouant sur le sentiment de supériorité des Blancs, à l’extrême opposé du thème du pavillon… »

Superbe, je la shoote sur tous les angles…

« Martinique », statue en grès émaillé bleu d’où un buste nu de femme émerge d’une robe en forme de haute cloche ou même d’un dôme…

« Jug » grande jarre de plus d’un mètre cinquante de haut en céramique blanche décorée de coquillages du groupe des porcelaines qui servaient de monnaie en Afrique orientale.
(coquillages appelés « porcellena » en italien par le vénitien Marco Polo qui les ramena de Chine, du fait de leur ressemblance avec la vulve de la truie.)…

« Anonymous » une grande sculpture en grès émaillé blanc qui représentant une femme qui appuie son visage contre ses mains jointes, comme si elle était en train de prier, inspirée à Simone Leigh par une photographie d’une femme assise dans la même attitude, une femme dont on ne connaît pas le nom, d’où le titre « Anonymous »

« Sentinelle » grande sculpture de bronze de 5 mètres de haut totalement longiligne et élancée par rapport à « Satellite ». On se rapproche ici des statues primitives utilisées traditionnellement dans les rites de fertilité.
je fusionne deux « foto » verticales pour l’avoir de tout son long…

« Sharifa » belle statue de bronze imposante avec ses presque trois mètres de haut, portrait de l’écrivaine Sharifa-Rhodes-Pitts qui a publié un ouvrage sur un Harlem imaginaire, un Harlem dont elle rêve, mais éloigné de la réalité…

« Placard », raphia, acier et grès émaillé, œuvre surmontée de ce même coquillage porcelaine…

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« Sphinx » référence à l’Égypte.

Statue avec un corps de lion et un visage de femme noire…

Fin de la première partie des pavillons nationaux aux Giardini…

Claudio Boaretto