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LA BIENNALE D’ART CONTEMPORAIN À VENISE, CÔTÉ JARDIN

Posté par Claudio Boaretto le 27 septembre 2019

La biennale d’art contemporain est un événement très important de la vie culturelle Vénitienne…

Une cinquantaine de pays présentent dans leur pavillon respectif les dernières œuvres de leurs artistes nationaux, certaines de ces œuvres, installations et performances étant réalisées spécialement pour la biennale devenue depuis plus d’un siècle le rendez-vous incontournable des artistes contemporains du monde entier…

Deux endroits majeurs de l’exposition :
Les « Giardini » (jardins) et « l’Arsenale »…

En cette fin septembre nous avons visité la partie Jardin…
Pas moins d’une trentaine de pavillons nationaux plus l’immense pavillon central de la Biennale qui vaut un musée à lui seul …

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Nous y avons passé la journée et sommes rentrés fourbus…
Fourbus et un peu déçus…       

Sans être des spécialistes de l’art contemporain, c’est la 5ème biennale de Venise que nous visitons, à notre humble avis, ce n’est pas le meilleur millésime, nous avons vu plus enthousiasmant les fois précédentes…

Déjà ce qui m’horripile, que nous constatons de plus en plus souvent, ce sont les pavillons où l’on ne trouve que films, court-métrages et vidéos…

Si je souhaite visionner un film ou une vidéo, je vais soit au cinéma, soit je regarde ma TV, ou mon ordinateur, ou mon smartphone, ce dont je ne me prive pas, mais quand je visite une expo ce n’est pas pour me retrouver dans une salle obscure face à un écran…

J’ai donc boycotté systématiquement tous les pavillons montrant des écrans, et ils étaient nombreux… En outre, s’il avait fallu visionner entièrement toutes ces projections, ce n’est pas une journée mais une bonne semaine qu’il aurait fallu passer aux « Giardini » car ne voir que le début ou la fin ou le milieu d’une séquence filmée reste sans intérêt…

Bien que nous les ayons tous visités nous ne verrons dans ce reportage illustré que 8 pavillons nationaux, ceux dont les œuvres nous ont touché ou interpellé, nous ne sommes pas là pour publier le catalogue exhaustif de l’exposition…

Le pavillon Russe…

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Au premier étage, les statues en terre glaise d’Alexander Sokurov nous racontent, dans une ambiance dramatique, la parabole de l’enfant prodigue…

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Un petit défi « fotografic » à relever pour shooter correctement les statues dans cette ambiance par trop obscure…

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Le père…

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Le retour de l’enfant avec un jeu de miroir…

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À l’étage inférieur, toujours dans une ambiance dramatique, des tableaux de maîtres revisités, œuvres de Alexander Shishkin-Hokusai…

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Avec pour spectateurs des pantins, découpés dans des plaques de contreplaqué, qui montent et descendent tour à tour le long des poteaux où ils sont accrochés…

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Le pavillon de Grande Bretagne…

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Le British Council présente un ensemble de nouvelles créations de l’artiste Cathy Wilke…

Ce qu’on en dit :
« Dans son processus de création, Wilkes expérimente toutes sortes de matériaux, et rassemble trésors et ingrédients. Sa production est une accumulation de ces différents éléments. Son travail rappelle des visions inachevées d’intérieurs ou de lieux de pertes, et interroge la nature de l’amour et la coexistence de la vie et de la mort. »…
Ha, bon… 

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Ce qui m’a interpellé, ce sont ces personnages au ventre de pierre…
Une symbolique sur la vie et la naissance ?…

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L’œil du « fotograf » est particulièrement attiré par le visage qui, même en le regardant de très près, semble flou, pas net, comme si la mise au point de l’objectif ne fonctionnait pas… Sans « appareil-foto » l’impression est exactement la même dans la réalité…
Étonnant…

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Un second personnage…

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Mais là, il suffit de deux petits points pour indiquer les yeux, d’un minuscule trait pour la bouche, pour changer toute l’expression du visage et retrouver sa netteté… Ça m’a épaté…

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Nous ne pouvions éviter le pavillon français…

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Au lieu de nous faire pénétrer par l’entrée principale, voilà qu’on nous dirige à droite du pavillon par un petit chemin de terre tortueux et fort pentu pour arriver à une porte de service au sous-sol, accueilli dans un local sombre et poussiéreux où trône un tas de terre et de gravats…

Un petit escalier nous permet de monter dans une grande salle sur un plancher de verre couleur bleu-vert sale qui doit à mon sens représenter la mer…

Par terre, aux différents endroits de la pièce nous trouvons poissons, calmars, déchets, téléphones portables usagés, os de seiches, etc…

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Œuvre de l’artiste française Laure Prouvost…
Apparemment une symbolique sur la pollution des mers et des océans…Et pourquoi pas des salades et des coquilles d’œufs…

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La ficelle me semble un peu grosse, que l’on me donne un budget et je pourrais dans le style faire tout aussi bien, voire mieux… Dans le genre nous avons déjà vu bien plus chouette ne serait-ce que récemment au « Palazzo Bembo » près de Rialto…

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La salle suivante, salle obscure de projection…
Je freine des quatre fers et quitte aussitôt le pavillon, ras le bol des écrans !…

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Le pavillon de la Norvège qui est devenu le pavillon des Pays Nordiques…

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Sur le site officiel de la Biennale on peut lire ceci quant à ce pavillon  :
Exposants:  Ane Graff, Ingela Ihrman, Nabbteeri…
« Description : Bulletin météorologique : Prévisions Le futur est centré sur les relations variées entre l’homme et le non-humain à une époque où le changement climatique et l’extinction massive menacent la vie sur Terre. Il redirige notre pensée vers des choix personnels et la responsabilité de reconnaître les enchevêtrements multi-espèces…. Etc… » 

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À ma courte honte, j’avoue n’avoir pas perçu le message pendant ma visite…
En revanche, j’ai bien aimé, en tant que « fotograf », les trois arbres naturels se confrontant à l’arbre artificiel…

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Le pavillon des États-Unis d’Amérique, pavillon intéressant présentant les œuvres du sculpteur afro-américain Martin Puryear ayant pour thème la Liberté…

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D’entrée, cachant la façade du pavillon, une œuvre impressionnante :
« Swallowed Sun 2019 » (Soleil avalé), en pin jaune du Sud, acier, polyester, toile et corde…
La partie en pin de la sculpture représente le soleil et ses rayons… Dommage qu’elle soit à l’ombre…

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À l’arrière on découvre une sorte d’énorme serpent monstrueux sensé avaler le soleil et sa lumière…

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Une belle allégorie sur la lumière et les ténèbres…

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« New Voortrekker »… Le tracteur et son chariot couvert sont pour Martin Puryear un thème récurrent qui a compris combien un objet utile peut évoquer la monotonie d’un travail ou un rituel saisonnier, l’oppression ou l’émancipation…

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C’est aussi un moyen de transport vers des destinations inconnues qui pourrait porter le passager vers la liberté individuelle et absolue…

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 « Cloister-Redoubt or Cloistered Doubt? » (Cloître Redoute ou doute de cloître?) Sculpture en Ciguë américaine, Pin Blanc de l’est, Peuplier Tulipe, Cèdre Rouge,

« Cet abri à toit à deux versants reposant sur des poutres en bois, est une méditation sur la ferveur religieuse américaine contemporaine, un mouvement qui préconise de quitter les grandes villes pour s’éloigner d’une société perçue comme corrompue et malheureuse… »

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« Big Phrygian » (grand phrygien), le bonnet phrygien identifia les esclaves libérés de l’empire romain, pendant la révolution française il devient symbole de liberté et repose sur la tête allégorique de Marianne dans le célèbre tableau d’Eugène Delacroix… Plus tard, les esclaves noirs des Caraïbes adopteront ce bonnet dans leur lutte pour l’égalité sous la domination française…

Un symbole de la Liberté…

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« Tabernacle », acier, bois, toile, coton imprimé, verre.
Autre œuvre inspirée par un couvre-chef, le bonnet porté par l’infanterie de l’Union et les confédérés pendant la guerre de Sécession, « Tabernacle » est en fait une méditation sur la violence par les armes à feu…

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Un autre pavillon très chouette, le pavillon belge…

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« Mondo Cane » par Jos de Gruyter et Harald Thys…

« L’installation Mondo Cane se présente comme un musée folklorique exposant la figure humaine. Les maigres activités qui s’y tiennent sont purement formelles et produisent des coquilles esthétisées, poussant le visiteur à percevoir ce qu’il s’y passe comme une curiosité́ décalée de la réalité́ contemporaine. L’exposition comprend une vingtaine de personnages dont la plupart sont automatisés, »

Au centre de la salle se trouve le monde normal, commerçants, artisans vaquant à leurs occupations respectives…

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Sur les côtés, enfermés derrière des grilles, un monde marginal de voyous, zombies, poètes, psychotiques, fous et marginaux…

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J’adore l’ambiance de cette expo, entrons dans le détail…

Les sujets représentés proviennent tant de personnages qui sont déjà apparus dans les œuvres de Jos de Gruyter et Harald Thys que de personnes ayant réellement existé…

Kristinus Potimus possédée par Satan… Initialement Kristinus était très catholique, un soir d’orage elle tomba en état de transe…

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Incapable de tourner la tête un sixième doigt vint soudain s’ajouter à chacune de ses mains… Elle devint l’objet d’une vénération de sectes obscures, pour cette raison elle fut enfermée dans les oubliettes du Vatican…
On voit nettement l’automate tourner la tête…

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Revenons aux tranquilles artisans…

De Belger Guido, artiste peintre Louvain, est le fondateur du Romantisme magique abstraco-réaliste, un courant pictural dont il est le seul représentant…

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Il n’a jamais connu le succès. Il a vécu de dons et de la petite retraite de sa mère qui s’est occupé de lui toute sa vie… Après son décès plusieurs œuvres furent achetées par la Ville le Louvain…

Comme on peut le voir, le geste des automates est des plus élémentaires ce qui doit faire sourire mon frère Renato, maître d’art et créateur d’automates ô combien plus sophistiqués…

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Sateri, issu d’une grande famille de Santa Capola près de Bari… Il crée et exploite une grande chaîne de pizzerias avec ses 4 frères, 8 neveux et 11 cousins…

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L’entreprise familiale doit son succès financier au rachat de grandes quantités de produits périmés issus de l’industrie alimentaire… Ses pizzas sont particulièrement appréciées des touristes néerlandais et allemands…

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Lathgreta Toft vit dans une petite maison de bois à Harken, dans le nord du Danemark, qui compte 400 habitants et pour chacun d’eux elle tricote chaque année une écharpe…

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Chaque année lors d’une brève cérémonie en son honneur avec thé et biscuits chaque habitant reçoit son écharpe mais Lathgreta n’a jamais pu y assister car elle ne s’arrête jamais de tricoter…

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LE Pasteur Simons au piano… Il avait quatre fils, adolescents timides et pales qui souffraient énormément terrorisés par l’épouse du pasteur…

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Deux ou trois mots lui suffisaient pour terrifier son époux et ses fils avec son regard perçant, ses petits yeux et ses lèvres minces, pas étonnant que le père se réfugie dans sa musique…

Comme nous le constatons une fois encore, le mouvement de l’automate est des plus élémentaires, un peu dommage…

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Retour au monde parallèle derrière les barreaux…

La femme-ratte dont l’apparition annonce la mort. Elle survient alors que désespéré on cherche son chemin en tâtonnant dans l’obscurité… D’abord, seul résonne le bruit de son bâton qui frappe le sol, puis brusquement elle est là et il est déjà trop tard…

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L’inquiétant Ernst Wollemenger entré au service de la sécurité d’État de la RDA (Stasi) en 1953… Doté du don d’observation, d’une capacité d’analyse et d’une prodigieuse mémoire il allait se poster dans les gares, aux arrêts d’autobus ou dans les aéroports… Ainsi il a passé des années à surveiller fortuitement des milliers de passants, de tous il connaissait les déplacements dans la RDA et notait scrupuleusement ses observations dans de petits carnets qu’il conservait dans ses 3 valises… Une fois par mois il livrait le contenu des ses valises au bureau central de la Stasi à Berlin-Est…

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Nous nous sommes bien amusés avec tous ces personnages et leurs hallucinants curriculum vitae… Trop fort les Belges…

Le pavillon autrichien…

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« Discordo Ergo Sum » de Renate Bertlmann…

« Sur la base de l’axiome programmatique de l’artiste, Amo Ergo Sum , l’imposante pièce textuelle en face du pavillon et l’installation tentaculaire de rosiers au couteau répartis dans toute la cour du pavillon affichent un commentaire artistique qui concrétise l’ambivalence existentielle de l’expérience humaine. »

Dans la cour arrière du pavillon, l’artiste a créé une installation sculpturale composée de 312 roses en verre rouge percées par des couteaux en acier tranchants .

« Encore une fois, avec son installation au couteau, l’artiste autrichienne se concentre sur la dichotomie de l’existence humaine et sur l’ambivalence des paradigmes sociaux et culturels qui nous influencent tous »

Je suis toujours stupéfait par la dialectique officielle de présentation des œuvres contemporaines… je qualifierais ces discours « d’enrobage fumeux »…

Quoiqu’il en soit ce champ de roses en verre au couteau m’a bien plu…

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De quoi faire quelques clichés sympas comme ce panoramique allongé…

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Ou, ouvrant tout grand mon diaphragme, obtenir une jolie netteté au premier plan agrémentée d’un grand flou d’arrière-plan…

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Le pavillon de la Pologne…

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Maman, j’ai peur de l’avion !…

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« Flight » sculpture de Roman Stanczak…

Heu, si comme moi vous n’aviez pas immédiatement compris le sens de l’œuvre voici un bout de « l’enrobage fumeux »…

« Flight est un monument aux paradoxes de la modernité et un commentaire sur la transformation capitaliste polonaise. L’avion privé intérieur-extérieur utilisé par ce qu’on appelle le 1%, la riche élite , est une métaphore de l’inverse des processus de modernisation, un commentaire sur les inégalités, les problèmes de redistribution, de ressentiment et de populisme. »

Franchement, je n’aurais pas deviné tout seul…

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Présents depuis l’ouverture à 9 heures ce matin, nous voici déjà au milieu de l’après-midi, nous venons de visiter la trentaine de pavillon nationaux et nous allons pénétrer dans l’immense pavillon central de la Biennale…

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Nous sommes un peu saturés, la fatigue se fait sentir… Je vais donc faire une sélection drastique des œuvres exposées…

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Œuvre de Korakrit Arunanondchai, artiste thaïlandais qui vit et travaille entre Bangkok et New York…

L’installation présentée est une série de formes arborescentes «post-naturelles», semblables à des arbres, composée de métal, objets divers et extraits de plantes qui semblent jaillir d’une terre composée de déchets…

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Œuvre en acier de Carol Bove, artiste suisse, faite de courbes, bosses, rotations, torsions, ondulations et autres plis qui animent la surface sculpturale…

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« The Decorated Shed » de Alex Da Corte, artiste étasunien…

Reproduction d’un village issu d’une série télévise très fameuse aux USA de 1968 à 2001, intitulée « Mister Roger’s Neighborhood »… L’œuvre réunit des éléments figuratifs, décoratifs et abstraits. Quelques détails du mobilier font hommage à la conception des architectes Robert Venturi et Denise Scott-Brown, et Prince avec la couverture de son album « Around the World in a Day »…

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Assez incongrue, cette vache grandeur nature tournant sur un rail…
Ce n’est pas la vache qui regarde passer les trains, mais nous qui regardons passer la vache… J’aime ce clin d’œil d’un lieu commun…

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Le vieux biker que je suis est interpellé par cette bécane coupée en deux…

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Ainsi que par cette combinaison de motard accrochée au mur comme une peau de bête, trop drôle…

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Au milieu d’une grande salle dans un enclos vitré, une sorte de grande pelle robotisée et autonome éclabousse le sol les murs et les parois avec vivacité…

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Très spectaculaire…

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« La Donatrice », sculpture en glaise et en acier du français Jean-Luc Moulène… l’œuvre interpelle avec les deux mains et le pied en avant du personnage…

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Le Renard et la Belette vêtus d’habits colorés, œuvre de l’artiste argentine, Adriana Minoliti…
Ils sont trop choux…

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Un portant avec des vêtements en céramique, œuvre de l’ukrainienne Zhanna Kadyrova… 

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L’Ukraine a une longue tradition de production de carreaux de céramique, ceci expliquerait cela…

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Voilà une œuvre qui devrait plaire à mon ami Michel K. …

Jimmie Durham, artiste américain installé à Berlin, présente  « Black Serpentine », une grande dalle de roche éponyme entourée d’un cadre en acier inoxydable, une masse de plus d’une demi-tonne dégageant une implacable force…

après info, je ne peux passer sous silence l’aventureux parcours de cette pierre :

« extraite d’une mine du nord-est de l’Inde près de la frontière Birmane, le bloc chargé sur un camion est transporté dans une autre zone de l’Inde où, avec l’aide d’une scie circulaire et d’une lame en diamant, elle est coupée en plaque et lustrée…

Puis transportée à Mumbai où chargée dans un container elle est transportée par voies maritimes jusqu’en Méditerranée, passant par le Canal de Suez, puis le détroit de Gibraltar pour repartir en amont et rejoindre le port de Hambourg… De là, la pierre est transportée en train jusqu’à Leipzig. De Leipzig, transportée en camion jusqu’à Hartha où se trouve la société importatrice de la pierre… De Hartha elle est transportée dans un autre camion jusqu’à Kreuzberg, Berlin où se trouve la société qui vend la pierre…

L’artiste acquiert la pierre à cette société et loue une machine à souder pour réaliser son cadre en acier… De son atelier à Berlin la pierre est expédiée par camion à Mestre où, chargée sur un chaland, elle rejoint Venise et la Biennale… »

Bonjour le bilan carbone…

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La fatigue opérant, je n’en dirai pas plus sur le pavillon central de la Biennale, en revanche j’ai réservé pour la fin du reportage le pavillon égyptien qui est mon « number one » de la journée…

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Je vous épargne « l’enrobage fumeux » de la description officielle auquel je n’ai pas compris grand-chose et ne vous fais part que de mon seul ressenti…

Quand on pénètre dans ce pavillon nous découvrons une salle contenant 6 magnifiques sphinx, 3 d’un côté, 3 de l’autre…

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Mais les faces habituelles des sphinx ont disparu remplacées par des écrans ! …
Des écrans mobiles qui vous suivent presque du « regard »…

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Je ne connais pas exactement les intentions et le message des artistes créateurs de ces sculptures mais je fais immédiatement un parallèle, pour moi ces statues symbolisent cette dérive, confirmée encore aujourd’hui, où tant d’expositions et de musées contemporains ne nous proposent plus que films et vidéos sur écrans petits ou grands…

Ces représentations insolites des sphinx m’ont enthousiasmé…

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Nous finirons dans la salle suivante où un grand sphinx-parabole semble capter les messages des satellites qui tournent autour de notre planète…
La parabole mobile tourne lentement d’un côté à l’autre…
L’allégorie est puissante…

J’ai trouvé cette exposition réalisée par 3 artistes égyptiens,  Islam Abdullah, Ahmed Chiha, Ahmed Abdel Karim, formidable…

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Rendez-vous prochainement pour la Biennale d’Art contemporain côté Arsenal…

Claudio Boaretto

 

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EXPOSITION CONTEMPORAINE AU PALAZZO BEMBO À VENISE

Posté par Claudio Boaretto le 2 août 2019

Le « Palazzo Bembo » est situé le long du « Canal Grande », sur la « Riva del Carbon » à quelques dizaines de mètres à peine du célèbre pont de « Rialto »…
Depuis la rive pas assez de recul pour le « fotografier » dans son entier sous peine de tomber à l’eau…

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Cette expo s’intitule « Personal Structures » en continuité avec les expos que nous avions visité au mois de juin dans les jardins de la « Marinaressa » à « Castello »…

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Rentrons immédiatement dans le vif de cette grande expo, elle occupe entièrement les deuxième et troisième étages du palais…
Je ne prends qu’une foto d’œuvre par artiste, parfois deux si je flashe dessus…

 « Captured freedom » (Liberté capturée) de Blessing Ngobeni (Afrique du Sud)…
Lithographie à l’aquarelle…
« Motivés par les injustices sociales subies par la majorité des habitants d’Afrique du Sud postapartheid, les peintures grand public de Blessing Ngobeni sont extrêmement critiques vis-à-vis de l’élite politique du pays et de l’abus de pouvoir. »

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« In conversation with Okuhlanza » de Mbali Dhlamini (Afrique du Sud)…
Impression giclée…
« Artiste multidisciplinaire et chercheuse en arts visuels, Dhlamini mène des enquêtes visuelles, tactiles et discursives sur les pratiques culturelles indigènes actuelles. »

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« Menina Waldo » de Dalia Berlin (Espagne/USA)…
Acrylique sur toile…
« Son médium préféré est le médium mélangé, mélangeant souvent l’acrylique et les huiles sur une toile, ajoutant du papier et d’autres éléments pour une dimension accrue. Chaque symbole représente quelque chose dans la pièce qui est profondément enracinée dans son pays natal, l’Espagne. »

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« Caballero con sombrero » d’Elisabeth Ollé-Curiel (Espagne)…
Aluminium poli…
« Né à Barcelone, d’origine catalane / vénézuélienne. Elle a étudié la peinture classique et fauviste à l’Université San Jorge de Barcelone. Elle a poursuivi ses études à Florence et en Angleterre, avec pour point culminant un séjour de cinq ans dans la jungle vénézuélienne, où son projet créatif était remarquablement mature. »

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« High Level » de Karina Matheus…
Acrylique sur toile…
« Karina Matheus est née à Caracas, au Venezuela, d’origine italienne et allemande. . . Son travail se concentre sur la recherche du sens de l’âme et sa dissociation de l’être humain en tant qu’individu emprisonné par son système de croyance et sur la justification du système social dans lequel il / elle vit.» 

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« My melting chair » de Sahar Ahmadi (Bahrain/Arab Emirates) …
Médias mixtes sur toile…
« Dixit l’artiste : Je crois que l’art est un langage unique, qui donne à l’artiste la liberté de parole, alors que nous vivons dans une période vulnérable et dangereuse, dans laquelle l’ethnicité, la religion, la politique et la géographie divisent les sociétés avec suspicion, au lieu d’unir les gens avec compréhension. »

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« From here to there » de Yen-Fu Kuo (Taiwan)
Médias mixtes…
« Dixit l’artiste : Dans mes travaux, j’explore la relation entre les gens. Ces relations ont des côtés positifs et négatifs. Plus le monde est compliqué, plus il est compliqué de le rendre confortable. Essayez de passer plus de temps à vous regarder. Il y aura des gains extraordinaires. »
La valise de Madame…

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La valise de Monsieur…

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« Charmeuse » de Arika von Edeler (USA)…
Huile sur toile…
« Les peintures à l’huile et les pièces textiles figuratives d’Arika traitent de la sexualité féminine, de sa suppression historique et contemporaine et de son exploitation ultérieure. Ses travaux portent sur la sexualité féminine dans un pays où la santé reproductive des femmes est controversée. »

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Triptyque « Das Ueberraschende Unwissen (L’ignorance surprenante)  et Blick auf Anders 1 2 »…
Huile sur toile de lin…
« Les idées visionnaires et l’essence du romantisme ont fortement impressionné l’artiste. Son univers imaginaire constitué par la fusion des rêves et de la réalité offre un espace surréel où de nouvelles perspectives de pensée et de création sont stimulées. »

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« Unknown » de John Doing (Suisse)…
Mélange de supports sur papier ou toile, impressions numériques, vidéos, céramiques, filets et fils de nylon…
« artiste singulier installé entre Lugano, Berlin et Milan, parallèlement à sa participation à l’exposition Personal Structures en cours au Palazzo Bembo à Venise.  Tout ce qui comprend nos perceptions peut être raconté sous toutes les formes imaginables ou à imaginer. Les expériences accumulées au fil des années vécues avec intensité stimulent l’interprétation de la réalité du présent et du futur. »

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« Porté par les émotions » d’Hélène Jacubowitz (Belgique/Israël)…
Bronze…
« Hélène Jacubowitz est née dans une famille d’artistes. Père joaillier créateur, frère joaillier créateur et céramiste et nièce céramiste. Baignant dans les ateliers d’orfèvrerie elle est vite passionnée par les arts plastiques et le travail des métaux précieux. »

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Du même auteur « Les tournants de la vie »…
Bronze …

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 « Protagonists » de Georg Loewit (Autriche)…
Bois de pin et de chaux…
Nous retrouvons en bronze patiné noir la sculpture intitulée « Kalterer See » que nous avions vu en plus grand et en aluminium brossé dans les jardins de la Marinaressa… Elle est ici entourée par les « Protagonists »…
« Kalterer See », une femme plantureuse avec un pneu de natation volumineux. La dame se concentre presque de manière exemplaire sur l’international transculturel du tourisme de masse. Mais cela constitue également un point d’exclamation pour le joyau en voie de disparition de la culture mondiale : Venise.»

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« Tangled infinities/Coral » de Virginia King (Aotearoa, New Zealand)…
Bois de pin, travaillé à la main et au laser, peinture acrylique, pigment brûlé…
« King a commencé à s’intéresser à la sculpture au milieu des années 1980 et a travaillé dans la pierre, le bronze, l’aluminium, l’acier inoxydable, la terre et le bois de Hinuera. Sa pratique est fondée sur une préoccupation pour l’environnement, une passion pour les mots et un intérêt pour l’histoire et les micro-organismes, qui inspirent et informent son travail.»

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« Southern Nautilus » de la même artiste…
Acier 316 inoxydable de qualité marine…

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« “Yes, we have done it” (Oui, nous l’avons fait) -Los Alamos- The Manhatten Project » de Manfred Bockelmann (Autriche)…
Charbon sur toile, découpé…
« Manfred Bockelmann peintre et photographe né en 1943 . Depuis le début des années 1970, il est apparu avec un succès croissant en tant que peintre et photographe à travers des expositions et des publications de livres en apparence. »

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« Baobab » de Giò du Busca (Suisse)…
Bronze laqué…
« Né en 1959 à Milan, fils d’un père italien et d’une mère suisse.  Il a obtenu son doctorat en architecture à l’École polytechnique de Milan. Mais c’est dans la sculpture que se réalise sa passion artistique, sa recherche de l’âme, son génie, son amour de la beauté. Ses œuvres fusionnent des cultures radicalement opposées et sont liées à la nature, à la musique, mais aussi aux technologies anciennes. »

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Nous sommes déjà au troisième étage du Palais et, comme vous pouvez le constater dans le cliché précédent, je profite d’une porte ouverte sur un balcon donnant sur le grand canal pour shooter le pont de Rialto, à deux pas du Palais…

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« Cassini’s dream » de China Blue (USA/Canada/Suisse)…
Technologie interactive Cassini laser-to-sound and painting…
« China Blue est une artiste visuelle basé sur le son qui travaille à New York et à Providence, RI. Elle étudie le son à l’intersection de la science et de la technologie tout en s’inspirant de la manière dont notre monde est construit à partir de nos sensations et de nos perceptions…
En 1997, fut lancé la sonde Cassini au cours d’un voyage de 10 ans pour étudier le système Saturne. Au cours de ses 20 années de mission, Cassini a renvoyé plus de 400 Go de données brutes, dont plus de 400 000 images de Saturne, ses anneaux et ses lunes.
Cassini’s Dream est un projet artistique et sonore remarquable, à la fois scientifique et poétique»…
J’ai laissé apparaitre un chambranle de porte pour donner les proportions de l’œuvre…

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« In touch, Song of Songs » de Tineke Smith (Pays-Bas)…
Laine, gélatine, alun, calcium, pigment, soie, fer, cuivre, bois, perspex…
Pianistes et danseurs sont invités à improviser sur ce thème et cette œuvre d’art…
« Artiste visuelle, art en 2 et 3 dimensions et installations.
A étudié le sport, le théâtre, la danse et l’art. Avec un sens pour la poésie et l’histoire de l’art, elle traduit l’ art tridimensionnel poétique, contemporain et conceptuel, jamais fixée sur un matériau, mais plutôt sur des combinaisons comme le verre et le fer, le bois, le caoutchouc, la laine et la gélatine. »

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« In memoriam » de Christopher Griffith…
J’ai franchement éclaté de rire à la vue de ces hommages mortuaires…
J’ai laissé les portes sur la « foto » pour la proportion des œuvres…

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« Infinity » de Olga Lomaka (United Kingdom) …
Acrylique sur toile, teintes Xirallic, fibre de verre…
« Olga Lomaka expose dans le monde entier avec une participation régulière aux foires d’art et biennales mondiales…
Les éditions « Pink Magic » sont publiées par le célèbre studio d’impression Jealous London.
Les principales caractéristiques de l’artiste sont de jouer avec des images reconnaissables et des produits du consumérisme, en rassemblant des croyances contrastées, qui donnent une seconde signification aux symboles cachés et utilisent des palettes de couleurs inhabituelles. »
J’ai également laissé des éléments extérieurs à l’œuvre (qui nous a fait bien sourire) pour apprécier sa longueur…

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Nous arrivons à ce qui est pour nous le clou de cette exposition, ce que nous avons le plus apprécié…
Une œuvre de Federico Uribe (Colombie/USA)…
Avant de vous donner des détails je vous laisse contempler la vue d’ensemble de sa superbe installation…
Nous pénétrons dans une première salle comme si nous pénétrions dans des fonds sous-marins et coralliens…

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Magnifique !…

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Tous les murs sont ainsi décorés en relief…
Une porte donne sur une seconde salle…

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L’installation continue sur les 4 murs de cette seconde salle…

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Un mot sur l’artiste :
« Né à Bogota en Colombie, Uribe vit et travaille à Miami. Ses œuvres résistent à la classification. Enraciné dans le métier de la sculpture et de la peinture, il noue des objets du quotidien entrelacés de toutes les manières possibles et surprenantes, mais avec toujours une référence formelle à l’histoire et à la tradition de l’art classique. »…

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Cette œuvre, cette immense installation « Plastic Reef » (récif en plastique) n’est composée que de plastique recyclé…
Voyons dans le détail comment est construit ce somptueux décor…
Des sacs plastiques et des porte-manteaux…

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Des ustensiles de cuisine, des bouchons, des bouteilles plastiques…

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Des fils électriques, des bouteilles, des petits containers plastiques découpés pour figurer les poissons…

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Des assiettes, des pailles, des gants…

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« Vivre dans une ville côtière m’a rendu très conscient du besoin de préserver les environnements et les écosystèmes marins. La production de plastique est de plus en plus inexorable, en particulier dans les pays en développement, et constitue un indicateur de développement », a déclaré Federico Uribe. Le monde produit actuellement plus de 300 millions de tonnes de plastique par an. Plus de 40% sont utilisés une fois, parfois moins d’une minute, et jetés. Plus de 8 millions de tonnes de plastique sont déversées dans nos océans chaque année et, en raison de leur durabilité, elles persistent dans l’environnement pendant des siècles. »

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Des briquets jetables…

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Des cartouches de fusil de chasse…

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Au milieu de la première salle, trône un petit îlot corallien…

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De plus près, des assiettes, des pailles, des cuillères et des fourchettes, le tout jetable…

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Admirons l’ingéniosité de l’artiste dans le choix des ustensiles et des couleurs…

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« Cette œuvre, Plastic Reef est d’une beauté énigmatique, mais sa signification sous-jacente confronte les spectateurs à la dure réalité de la pollution océanique.
De loin, les assemblages semblent être de beaux mondes sous-marins colorés. De près, on voit clairement les milliers de pièces de plastique méticuleusement coupées et rangées. Le résultat est esthétique et fantaisiste, mais contient un message puissant et dérangeant.
L’installation joue sur une juxtaposition de sujets fantaisistes – récifs coralliens et paysages marins pleins de vie – et le support potentiellement destructeur du plastique. Federico Uribe a spécialement créé cette installation pour la Biennale et son message est intrinsèquement lié à la situation géographique de Venise – une ville flottant sur la mer »…

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Claudio Boaretto

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LES MAINS DE QUINN À L’ARSENAL DE VENISE

Posté par Claudio Boaretto le 29 juin 2019

Le clou des œuvres d’art exposées au salon nautique de Venise s’intitule  « Building Bridges », les mains monumentales de Lorenzo Quinn surplombant un canal d’entrée dans « l’Arsenale »…

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Une des « Tese », ces grandes halles de l’arsenal, lui est entièrement consacrée, allons-y…

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J’ai constaté que la majorité des personnes ne savent pas que Lorenzo Quinn est le fils du grand acteur Hollywoodien Antony Quinn…
Une petite biographie s’impose :

« Lorenzo Quinn est un sculpteur plasticien contemporain italien, né le 7 mai 1966 à Rome, fils de l’acteur américain Anthony Quinn et Iolanda Quinn (Jolanda Addolori). Il a vécu aux États-Unis et en Italie et vit actuellement à Barcelone en Espagne. Il a commencé la peinture en 1982, et a été formé à l’American Academy of Fine Arts à New York.
Lorenzo Quinn a tourné dans des films et de téléfilms de 1988 à 1999, jouant souvent des rôles d’artistes mais Il se consacre à compter de 1999 aux arts plastiques.
Lorenzo Quinn se spécialise rapidement dans les sculptures monumentales. Il est mandaté par les Nations Unies pour une œuvre qui figurera par la suite sur un timbre-poste.
Lorenzo a été sélectionné pour diriger la campagne publicitaire d’Absolut Vodka, une campagne pour laquelle seuls les meilleurs artistes mondiaux sont sélectionnés.
Peu après, il a été chargé par le Vatican de créer une sculpture de Saint Antoine pour commémorer le huit-centième anniversaire de sa mort.
Quinn a créé la sculpture monumentale Rencontres, commandée par Fundatur et en a fait don à la ville de Majorque en 2003. Elle est maintenant situé en face du Musée d’Art Moderne à Palma de Majorque.
En 2008, « Evolution », une exposition majeure de la production de Quinn, a été choisi pour inaugurer les nouveaux locaux de Halcyon Gallery à Mayfair, à Londres.
Pour les habitants de Birmingham , Quinn a créé la sculpture « Arbre de Vie » représentant ceux qui avaient péri dans des raids aériens pendant la Seconde Guerre mondiale.
Pour la Biennale de Venise 2011, il présente « This is not a Game », projet en deux parties, d’une part un impact d’obus simulé sur un mur, et de l’autre un vrai char soviétique et des soldats grandeur nature, manipulés par des mains géantes. »

Sans oublier les deux mains géantes Installées sur le grand canal de mai à novembre 2017. Deux mains massives de 8-9 mètres de haut, sortant de l’eau pour soutenir le Palais « Ca’ Sagredo Hotel »… 

Aussitôt pénétrés dans la « Tesa », le spectacle du pont de mains, en modèle réduit rapport à l’original sur le canal, s’offre à nous…
La face de la première paire de mains est plus sombre car non éclairée par les verrières du toit…

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Je me décale pour les prendre de trois quarts avant…

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Et de trois quarts arrière…

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Le message :

« Fameuse dans le monde entier comme cité construite sur ponts et canaux, base historique du commerce international et centre névralgique du monde de l’art, Venise, parmi les sites du patrimoine de l’Humanité, accueille des visiteurs de toute la planète et c’est pourtant le lieu idéal pour défendre le message d’unité entre sociétés, nations, communautés et simples individus à travers la construction de ponts et non de murs »…
Voilà un message qui m’agrée si je ne me Trump !…

Vue du « Building Bridges » depuis le fond de la halle…

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D’autre œuvres de Quinn sont exposées le long des murs de la « Tesa »…
« Ti prenderò se cadi » (je te prendrai si tu tombes)…
« Cette sculpture exprime l’idée de confort et de soutien qui se trouve dans un lien profond entre deux personnes, quand tout le reste semble perdu »…

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« Forza della natura » (Force de la nature)…
« Cette œuvre représente le conflit entre la Nature et l’Humanité pour le contrôle de la Terre… L’image d’une femme qui cherche de toutes ses forces à s’approcher du monde qui, propulsé par une force antithétique, s’éloigne d’elle, affronte aussi la question féminine dans la société contemporaine »…

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« Gravità »…
« Les deux silhouettes de l’œuvre « Gravité » représentent les idéaux de force et de confiance réciproque. Leurs formes se balancent dans une délicate harmonie à l’intérieur d’une structure géométrique qui les contient. Comme une grande partie des sculptures de Quinn, l’œuvre célèbre ce que sont les fondements d’un rapport réciproque de soutien qui se trouvent dans un lien profond d’amour et d’amitié »…

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« Trovare l’Amore » (trouver l’amour)…
« Exprimant de manière optimiste le pouvoir de l’amour, « Trouver l’amour » capture la passion du premier contact des mains de deux amoureux… C’est une immédiate et reconnaissable représentation d’une expérience fondamentale et universelle ainsi qu’une expression personnelle de la vie et des valeurs de l’artiste »…

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« Volare » (voler)…
« « Volare » veut exprimer un sens de liberté effrénée : la personne en équilibre à l’intérieur d’un cercle étendant les bras, comme si elle voulait prendre son envol, dans une expression de félicité qui semble émaner du centre de son corps jusqu’à rejoindre la pointe de ses doigts »…

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« Amore »…
« « Amore » est un exemple magistral de comment Quinn utilise les mains pour communiquer les émotions, à la fois complexe à travers un lexique fait de gestes et de perceptions tactiles… Cette sculpture représente deux mains entrelacées, un geste qui depuis toujours est un symbole de confiance, de dévotion et d’amitié »…

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« Basta giocare » (assez joué)…
« Dans « Basta giocare », un jeu de gamins devient la métaphore de comment, dans les mains de l’homme, les ressources naturelles de notre planète sont exploitées jusqu’à leurs limites… La Terre est piégée dans les mains d’un gamin capricieux, qui l’utilise pour jouer sans aucun regard sur les conséquences de ses actions »…

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Après ce parcours des œuvres dans la halle, nous allons vers le canal où est exposée l’œuvre monumentale de Quinn, « Building Bridges »…
Sous ce pont de mains nous voyons un ponton provisoire qui disparaîtra à la fermeture du salon… Dommage car le cliché aurait été plus beau avec le canal libre de tous pontons et bateaux…

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Comme nous sommes à l’intérieur de l’arsenal, obligé de shooter ce pont depuis l’arrière…
Je tente une vue de trois quart…

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Puis une vue par en-dessous depuis le ponton…
Impressionnant, la sculpture fait 15 mètres de haut sur 20 mètres de long…

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Zoom sur chacune des paires de mains…

La première représente l’Amitié…
« La solennité de deux mains qui se touchent délicatement, mais aussi fermement, crée une symétrie qui exprime un rapport de confiance et de support réciproque, basé sur une expérience partagée et une vision commune d’un futur à vivre ensemble »…

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La Foi…
« Une petite main qui, avec une confiance aveugle, serre les doigts d’un géniteur, invite à ne pas perdre de vue la responsabilité envers les nouvelles générations leur donnant les bases pour pouvoir grandir sûr d’eux, en promouvant chez eux l’autoestime et la confiance dans les autres »…

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L’Aide…
« L’étreinte de deux mains symbolise l’empathie et la profonde compréhension qui jaillit d’un état réciproque de support physique, émotif et moral, qui sont les éléments indispensables pour construire une relation durable »

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L’Amour…
« Les doigts entrelacés fortement évoquent l’intensité d’un couple comme blottis ensemble, imprégnés d’un fort sentiment de dévotion mutuelle »

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L’Espérance…
« Le premier touché entre deux mains, les doigts qui petit à petit s’entrelacent représentent l’optimisme pour le futur. L’espérance qui donne la force de persévérer même quand tout semble perdu »

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Enfin la Sagesse…
« le rapprochement entre la main d’un enfant et celle d’un ancien évoque le désir de transmettre le savoir et la sagesse aux générations futures »

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Un dernier cliché de ce pont de mains toujours depuis l’intérieur de l’arsenal…

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Pour bien faire, il faudra shooter ce « Building Bridges » par devant, donc sur un bateau depuis la lagune…
Voilà qui est fait :

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Claudio Boaretto

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SALON NAUTIQUE À L’ARSENAL DE VENISE

Posté par Claudio Boaretto le 26 juin 2019

C’est à grand renfort de publicité et d’articles dans la presse que fut annoncé le 1er salon nautique de Venise dans l’enceinte de « l’Arsenale di Venezia »…

« Avec le spectaculaire survol par la Patrouille Nationale de l’Arsenal Militaire en même temps que l’interprétation de l’hymne de l’Italie par le chœur du Teatro La Fenice, la première édition du Salon nautique de Venise a été officiellement inaugurée, événement promu par la ville de Venise, créé par Vela Spa avec la contribution des autres participants de la municipalité, en collaboration avec la marine italienne.
Du 19 au 23 juin à « l’Arsenale di Venezia », symbole de la puissance militaire de la République Sérénissime, il sera possible de visiter dans une zone d’exposition composée de 50.000 mètres carrés de bassin d’eau et 6000 mètres carrés de pavillons, une vitrine avec le meilleur de la production nautique: des centaines de bateaux dont plus de 50 yachts et super yachts entre 15 et 50 mètres, voiliers, bateaux hybrides et électriques, navires civils et militaires historiques. Sont également exposés les services maritimes, les installations et les accessoires.
Le sous-marin Enrico Dandolo sera également ouvert aux visiteurs tous les jours de 10h30 à 18h30…
Etc. etc., etc… »

Pour ne pas être pris dans la foule du week-end, nous sommes allés visiter le salon le jeudi 20, sous un soleil de plomb…
Pénétrant dans les lieux, les tapis bleus nous indiquent le chemin à suivre…

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D’entrée, je suis perplexe…
L’espace est tellement grand que le « salon » semble dispersé…

On nous annonce 50.000 mètres carrés de bassin d’eau mais je n’y vois rien dessus… il y a peut-être des animations programmées mais ce n’est pas tous les jours et toutes les heures, étant resté sur les lieux plusieurs heures ce jeudi…

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Une partie du bassin est traversée par un pont provisoire comme seule Venise en a le secret…

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À l’autre bout, yachts et vedettes sont amarrés à des pontons provisoires, installés pour l’occasion, parallèles ou perpendiculaires aux quais, et derrière : les « Tese », ces grands halls de l’arsenal ouverts aux exposants…

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En tant que vénitien, je jette presque un œil blasé sur ces bateaux amarrés aux pontons…
En effet, toute l’année nous avons l’occasion de voir des yachts, des super yachts de luxe, des vedettes, des « Riva », amarrés sur toutes les rives de Venise… J’ai fréquenté souvent des salons nautiques, par exemple à Paris Porte de Versailles, et dans cette enceinte tous les bateaux sont hors d’eau…
Il est donc beaucoup plus spectaculaire de voir ces immenses coques et ces hélices au-dessus de nos têtes et devoir grimper des passerelles aux nombreuses marches pour admirer les ponts et les intérieurs…
Les voir ainsi dans l’eau ne change rien à notre ordinaire…

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On nous annonce également plus de 6000 mètres carrés couverts, mais force est de constater que certaines « Tese » sont fermées et que d’autres contiennent peu de choses, comme celle-ci occupée seulement par une gondole traditionnelle et 4 gondoles de régate …

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Mais ne soyons pas trop « mauvaise gueule », c’est déjà bien d’avoir un salon nautique à « la maison », continuons l’exposition…

Les premiers stands en extérieurs que nous voyons sont les stands des institutions de protections civiles, militaires et policières…

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Et leurs petites vedettes, les rares hors d’eau du salon…
Les « Carabinieri » (gendarmes) et la police…

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Et la Garde de Finance, police de la mer…

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Zoom sur les 4 stands, de gauche à droite :
L’USLL3 du Veneto, en quelque sorte la branche régionale de la Sécurité Sociale Italienne qui déploie des secouristes dans toutes les manifestations officielles…
Le commandement provincial des pompiers…
La police lagunaire…
La police locale de Venise…

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À la verticale, 4 autres stands, de gauche à droite
La police d’état…
Les carabiniers…
Les gardes côtiers…
La garde de finance, police de la mer…
Ce qui veut dire que lorsque vous naviguez en lagune vous pouvez vous faire contrôler par ces 6 derniers organismes auxquels il faut rajouter les agents du parc car la lagune est un parc national…

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La marine militaire a installé un petit voilier monté sur pivot qui permet d’initier les enfants au maniement de la voile…
Très sympa et les piots en raffolent…

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Deux belles anciennes ancres de marine…

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Dans cette première partie, ce ne sont que des bâtiments des organismes institutionnels à quai…

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Tout près, la garde de finance, police de la mer…

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Comme de l’autre côté du bassin…

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En suivant le chemin bleu nous arrivons au sous-marin « Enrico Dandolo » ouvert au public…
Au loin le campanile de « San Francesco della Vigna »…

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Avouez quand-même que le bâtiment est plus spectaculaire en cale sèche qu’il ne serait amarré à quai…

Quoiqu’il en soit, avec ce soleil de plomb ne comptez pas sur moi pour m’enfermer dans un étouffant cylindre d’acier…

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Les super yachts à quai sur les pontons provisoires…

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Ce stand est sympa avec les modèle réduits exposés sur la banque…

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Les yachts en taille réelle étant amarrés derrière le stand…

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Sur un « Point Info » nous croisons une belle hôtesse fort affairée…

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C’est Justine, notre petite-fille, qui a décroché un job polyglotte pour les 5 jours du salon…

Çà y est, elle nous a vu…

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Les stands dans les halls…
les chantier naval « Fincantieri » qui, outre les immeubles flottants à 7 ou 8 étages, construisent également des super yachts de luxe…

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Le petit chantier naval « Venmar » du Lido de Venise… Son patron que nous voyons de dos a bien compris que sa vedette est bien mieux exposée hors d’eau qu’à quai… il semble être en pleine tractation…

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Je connais bien ce chantier car c’est là où je remisais mon bateau hors d’eau toute l’année…

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Dans les halls des « choses » insolites…
Si quelqu’un sait ce que c’est ? On dirait une ancienne chaudière maritime, mais pas sûr…

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Un bateau en verre de Murano…

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Des moteurs inbords…

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Des moteurs hors-bords…
40 chevaux, les plus prisés par les vénitiens car ici, contrairement à la France,  pas besoin de permis pour naviguer avec…

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Des halls avec plein d’explications techniques, mais il fait vraiment trop chaud à l’intérieur pour s’y attarder…

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Nous préférons sortir à l’air libre, devant nous la « Tour neuve » de l’Arsenal… Enfin, neuve, tout est relatif…

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Allons regarder les bateaux d’un peu plus près…

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Comme tous insulaires, nous aimons ces petites vedettes qui nous font rêver, dommage qu’elles soient si chères…

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Pour visiter, bien sûr il faut ôter les « godasses »…

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Des bateaux de sauvetage et de secours…

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Une « barca open », très courant à Venise… Mon dernier bateau ressemblait fort à celui-là…

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Un « open » en bois, je ne vous dis pas l’entretien, vernissage tous les ans…

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Vedette avec moteur in-bord, le top…

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Même avec panneaux voltaïques…

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En cale sèche, bateau de course qui semble fonctionner au bioéthanol d’après les inscriptions sur la coque…

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Dans ce salon nous avons beaucoup aimé le parcours parsemé d’œuvres d’art, ce qui confirme qu’en toutes occasions Venise est un point névralgique de la culture internationale…
La première œuvre croisée, une sculpture en bronze intitulée « Ikaro blu » de Igor Mitoraj… Apparemment Icare est tombé et s’est fait bobo car il n’a plus de pieds ni de bras…

Quelques mots sur l’artiste :

« Igor Mitoraj, né en 1944 à Oederan Allemagne mort en 2014 à Paris, est un sculpteur polonais…
Le thème majeur des œuvres d’Igor Mitoraj est le corps humain, sa beauté et sa fragilité. Son œuvre s’inscrit dans une démarche résolument postmoderniste. S’inspirant de la statuaire antique, en particulier ses proportions idéales, l’artiste rappelle cependant au public sa nature humaine et son imperfection. Ses sculptures sont délibérément blessées ou écorchées et se retrouvent parfois même clouées au sol… »

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Une grande sculpture lumineuse de Marco Lodola… J’ai pris 2 passants pour appréhender la dimension…

« Né dans la province de Pavie en 1955, Marco Lodola a étudié à l’Académie Brera et à Florence. Dans les années 1980, il était très proche du mouvement du Nouveau Futurisme et entama ainsi une carrière artistique florissante dans laquelle il fut le protagoniste de nombreuses expositions à travers le monde (Italie, Pékin, Hong Kong, Singapour, New York, etc.).
Marco Lodola est un artiste de renommée internationale, très apprécié du public pour son style pop unique qui combine art, musique, cinéma et design.
Ses œuvres, et en particulier les sculptures lumineuses en plexiglas et néon, sont composées de couleurs vives et de formes bien définies, rapportant les sujets caractéristiques préférés de l’artiste : Pin-Up, Vespa, voitures, professionnels du spectacle et du sport. »…

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« POURQUOI LES GENS NE PEUVENT PAS VOLER » sculpture lumineuse du millionnaire russe Vasily Klyukin…
Il a déboursé 1,2 million d’euros pour graviter dans l’espace avec Leonardo di Caprio.

« « Un voyage dans l’espace, c’est le défi le plus incroyable de ma vie! », confie ce rentier russe de 37 ans au visage adolescent, qui a fait fortune dans la banque et l’immobilier.
L’an prochain, il participera à l’un des premiers voyages spatiaux organisés par Virgin Galactic (la firme du britannique Richard Branson)
En attendant cette aventure extra-terrestre, il a la tête dans les nuages et dessine des gratte-ciels décoiffant. »

Ce qu’il dit de sa sculpture :

«Cette personne est moi-même. Et moi, comme la plupart d’entre nous, avons des problèmes et des inquiétudes qui me font sombrer. Et je ne pense pas pouvoir voler malgré les progrès technologiques et scientifiques actuels. Je ne peux pas voler spirituellement, parce que mes obligations et mon immaturité intérieure me font sombrer. 
Je ne suis pas le seul à avoir un problème similaire: chacun de nous a des bagages qui nous alourdissent. Les problèmes financiers, domestiques et personnels sont à la base de chacune de nos vies. L’humanité en général, et chaque personne séparément ne sera pas capable de voler jusqu’à ce que nous changions! Etc., etc., etc. »
J’abrège car il y en a une tartine…

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« Ikaria II » bronze de Igor Mitoraj réalisé en 2013…
Cette fois il a perdu sa tête…

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À moins qu’elle ne se retrouve plus bas…

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Du même auteur dont on reconnait bien le style « Teseo screpolata » ( Thésée craquelé ), réalisée en 2011…

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Une œuvre sur une petite barge… Je n’ai pas trouvé le nom de l’auteur mais le message est clair…
J’ai accentué le vignetage de la « foto » pour focaliser sur l’œuvre…

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Un dernier « Igor Mitoraj » intitulé « Dedalo »…
j’ai encore laissé des passants pour apprécier la taille…

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Enfin, le clou des œuvres d’art exposées au salon, « Building Bridges », les mains de Lorenzo Quinn qui surplombent une entrée maritime de « l’Arsenale »…

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Une des « Tese » lui est entièrement consacrée…

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Mais là, ça mérite un reportage consacré uniquement aux œuvres de l’artiste…
Le temps de développer les « foto » et d’écrire l’article, ce sera pour demain ou un des jours à venir…

Sinon, la presse s’est déjà fait l’écho du bilan du salon : 27 000 visiteurs en cinq jours, deux yachts de luxe vendus, 120 rendez-vous pris… 

Claudio Boaretto

Publié dans 02 Venise : évenements, 03 Venise : musées & expos & monuments & Architecture | 18 Commentaires »

EXPOSITION « PERSONAL STRUCTURES » À VENISE, 2nd partie

Posté par Claudio Boaretto le 15 juin 2019

Nous revoici devant la « Marinaressa »…

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Pour visiter cette fois-ci les œuvres exposées dans le jardin de gauche…

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Trois artistes seulement exposent dans cette partie…

La première ne nous est pas inconnue puisque c’est l’artiste États-Unienne, Carole A. Feuerman dont nous avons pu déjà admirer les œuvres en 2017…
C’est la 5ème fois qu’elle expose pendant la Biennale de Venise…

« Monumental Quan »…
Huile sur sculpture en résine…
Édition originale en 3 exemplaires…
170x153x110cm…

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En effet nous avions vu un autre exemplaire de cette sculpture en 2017, la sphère était argentée et le bonnet rose…

Détail…

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« Carole Feuerman a trouvé sa place dans l’histoire de l’art dans les années 70, en initiant le mouvement de la sculpture hyperréaliste, notamment avec des portraits au réalisme déconcertant …
Avec le temps son travail est devenu de plus en plus impressionnant comme avec ces sculptures fabriquées en bronze et peintes à la main.
La présence de détails, dans le relief et la peinture confèrent à ses créations une présence humaine qui donne vraiment l’impression que ce sont de vraies personnes. » …

« Kendall Island »
Sculpture en bronze patiné…
Édition originale en 6 exemplaires…
97x54x178cm…

Cet exemplaire est en tout point semblable à celui que nous avions vu il y a 2 ans, m’est avis que c’est le même…

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Détail…

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« Beyond the Golden Mean »
Sculpture en bronze…
Édition originale en 3 exemplaires…
380x136x96cm…

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Détail…

12 2019-06-10 213

« The Thinker »
Sculpture en bronze patiné, avec feuille d’or…
Édition originale en 8 exemplaires…
180x80x80cm…

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Détail…

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« Strenght »…
Sculpture en bronze patiné, avec feuille d’or…
Édition originale en 3 exemplaires…
360x120x120cm…

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Détail…

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La deuxième artiste est une française, Laurence Jenkell, connue pour ses bonbons géants…

« Artiste française contemporaine autodidacte (née en 1965 à Bourges), peintre, sculpteur, plasticienne, Laurence Jenkell vit et travaille à Vallauris, dans les Alpes-Maritimes. Elle crée des sculptures depuis les années 1990 et travaille d’abord le plexiglas avant de s’intéresser à d’autres matériaux. Majoritairement connue pour ses sculptures Bonbon, notamment suite à l’exposition « Candy Nations », créée pour le sommet du G20 à Cannes en 2011…
Laurence Jenkell a depuis élargi sa réflexion sur l’idée de torsion et de twist avec les séries ADN et Wrapping Twist. Elle continue à travailler le plexiglas mais crée aussi avec d’autres matières, notamment l’aluminium, le marbre et le bronze.
Ses œuvres ont été montrées dans plus de 25 pays et sont exposées dans des collections publiques et privées du monde entier. »

« Wrapping bonbon 5 mètres »…
Sculpture en polyester…
Édition originale en 8 exemplaires…
100x100x500cm…

De quoi faire monter le diabète en flèche…

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« Compositions bonbons black and white »…
Édition originale en 1 exemplaire…
205x279x320cm…

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« Jelly Wrap »…
Sculpture en aluminium…
Édition originale en 8 exemplaires…
80x200x300cm…
On retrouve le « Wrapping twist » (torsion d’emballage) dans l’éléphant…

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Une p’tite sucrerie pour la faim ?…
« Wrapping bonbon 2 mètres »…
Sculpture en polyester…
Édition originale en 8 exemplaires…

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Nous arrivons au dernier des trois artistes exposés, Idan Zareski, né à Haïfa en 1968, en Israël, il possède également la nationalité française…
Ses œuvres ont déjà été exposées dans de nombreux pays comme la France, Monaco, la Suisse, l’Italie, le Costa Rica, la Colombie ou encore les États Unis.

« Idan Zareski n’a jamais fait d’école d’art et encore moins de cours d’anatomie. Son talent d’artiste est inné…
L’artiste n’a en effet jamais planifié, organisé ou dessiné ses œuvres. Ce sont uniquement ses émotions qui le guident dans son travail. La plupart de ses œuvres sont d’ailleurs réalisées en moins d’une heure. Lorsqu’il travaille, il dit se sentir en parfaite communion avec une force plus forte que lui, comme s’il avait été forcé de mettre ce don à profit.
Il sculpte ses œuvres à l’aide d’argile, d’eau et de feu pour ensuite les transformer en bronze. Il reste encore étonné par la façon dont les émotions peuvent être transmises sans un mot grâce à l’art. »
De ces trois artistes exposés, c’est sans conteste mon préféré, il m’a surpris et amusé, j’ai adoré…

« Collfoot XL »
Sculpture en résine…
Édition originale en 8 exemplaires…
82x220x115cm

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« Une famille Bigfoot est née: Babyfoot, Bigfoot, Ladyfoot, Grandpafoot, Grandmafoot, Longfoot, Coolfoot, Le Siffleur et La Nena font partie des membres de l’équipe. Chacun possède sa propre caractéristique tout en conservant un symbolisme familier commun: ces grands pieds qui représentent nos racines et notre attachement à la même planète, la Terre. Selon l’artiste «peu importe la race ou la couleur de la peau, l’endroit où nous vivons ou qui nous sommes, nous sommes tous dépendants de notre planète paradisiaque, notre maison».
Idan Zareski veut exprimer cette idée d’unité parmi la race humaine à travers son travail. L’artiste détourne et transforme l’anatomie humaine dans ses sculptures: amplification des parties du corps, attitude relaxante, dramatisation, pop et couleurs généreuses allant du violet métallique au vert vif. Ces éléments contribuent à surprendre le public tout en véhiculant un message paisible »…

« Babyfoot XL »
Sculpture en résine…
Édition originale en 8 exemplaires…
223x268x200cm…

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« Nena XL »…
Sculpture en résine…
Édition originale en 8 exemplaires…
450x300x300cm…

33 2019-06-10 194

« Le Siffleur medium »…
Sculpture en bronze…
Édition originale en 8 exemplaires…
220x174x80cm…

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Et enfin la dernière œuvre, ma préférée…

« Bigfoot XL »…
Sculpture en résine…
Édition originale en 8 exemplaires…
180x470x256cm…

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Presque 5 mètres de long…
Et le gros orteil dressé du pied droit est vraiment trop drôle…

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Je garderai un excellent souvenir de la famille « Bigfoot »…
J’espère que cette expo vous aura plus autant qu’à nous…

Claudio Boaretto…

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